Posts Tagged ‘Tim Burton

27
Ago
14

Algunos videoclips realizados por directores de cine

Junto a los spots o las series de televisión los videoclips sirven como una plataforma en la que muchas productoras encuentran a sus nuevos realizadores. Pero para esta entrada me voy a centrar en aquellos directores cuyos orígenes y éxitos se encuentran dentro del cine y deciden realizar videoclips.

Wong Kar-Wai

En una anterior publicación os hablé de su fantástico trabajo cinematográfico. El uso que realiza de las atmósferas visuales, el manejo de la cámara y un montaje casi improvisado, son ingredientes muy apetitosos para cualquier videoclip.

El video en cuestión es del músico y rapero americano DJ Shadow, que en el 2002 quiso contar con su director favorito para la realización del videoclip. En él, Kar-Wai, narra una historia de desamor con similar estética que sus filmes más célebres: Chunking Express, 2046 o Happy Together. Ayudado por Cristopher Doyle, su director de fotografía hasta el año 2006, fecha en la que su relación profesional se rompió, poniendo fin a una fructífera colaboración artística.

Paul Thomas Anderson

Como Wong Kar-Wai, también tiene mi respeto y su espacio en este blog. Actualmente sigue siendo de las mejores cosas que le han ocurrido al cine americano en estos últimos 20 años.

Thomas Anderson le da una importancia vital a la música en sus películas, así que no es extraño su interés por la filmación de videoclips. El mejor ejemplo es este fragmento musical del filme Magnolia, podría dar el pego como un vídeo musical de Aimee Mann, la autora de la canción.

 El músico para el que realiza este primer vídeo es Michael Penn, compositor y cantante que ya elaboró la banda sonora de dos de sus películas: Sidney Hard Eight y Boogie Nights. En el videoclip es fácil reconocer su estilo, una iluminación cuidada y de tonos fríos, planos secuencia, abundancia de travellings y movimientos coreografiados.

Si en el anterior video predominaban el movimiento, en este segundo videoclip es justo lo contrario, destaca el minimalismo, el montaje a pantalla partida de los diferentes primeros planos en blanco y negro de Fiona Apple y sus acompañantes.

David Lynch

Un consumado creador como él no puede ser ajeno al videoclip y, además, si desde hace unos años está inmerso en el mundo de la música, donde cuenta con sus dos propios álbumes de estudio: Crazy Clown Time (2011) y The Big Dream (2013), de escucha recomendada.

En este reciente primer videoclip colabora con el grupo de rock alternativo Nine Inch Nails demostrando que todavía mantiene intacta la pericia técnica para crear imágenes perturbadoras y provocar epilepsia.

Con el lanzamiento de su primer disco él mismo se encargó de elaborar el video musical del single que da título a su primer álbum. Filmado con cámaras de vídeo digital, continuando con el estilo de su último trabajo cinematográfico, la excelente Inland Empire.  

Tim Burton

Si el genio creativo de un director se termina o progresivamente desaparece, junto con Francis Ford Coppola, Burton también formaría parte de ese grupo.

Muy poco queda ya de esa inventiva sorprendente capaz de  generar personajes y universos únicos, que llegaban a a ser admirados e imitados, como Beetlejuice o Eduardo Manostijeras.

Aquí tenemos el videoclip del año 2012 para la banda The Killers. Lleno de ingredientes “burtonianos”, comenzando por la historia: un chico solitario está obsesionado con la célebre artista, interpretada por Winona Ryder, otrora actriz fetiche; sin olvidar la iluminación tétrica, las espirales o el ambiente gótico.

Spike Lee

Este es un caso particular, sabía que había realizado videos para Public Enemy o Michael Jackson, pero nunca hubiese imaginado que el camino de Eros Ramazzotti se juntase con el de Spike Lee.

Conocemos su trabajo por la temática racial de muchas de sus películas dentro del ambiente urbano. Por eso extraña, ese es mi caso, que  se encargue de llevar al videoclip una canción romántica de Ramazzotti.

De todos modos, en el aspecto técnico predomina una fotografía muy contrastada, tonos fríos en los interiores y cálidos para las escenas exteriores; este tipo de iluminación está muy presente en su cine. Además, opta por distorsionar la imagen en buena parte del videoclip mediante desenfoques muy acentuados.

Mucho más actual es este trabajo del rapero Eminem, en homenaje a su madre. Ante el tema de la canción, Lee, opta por ofrecer el punto de vista de la “madre” del rapero y seguir los intentos para reencontrarse con su célebre hijo, mientras rememora el pasado. Técnicamente ya no hay tanto trabajo con la iluminación, pretende que sea lo más natural posible y sin alardes técnicos.

Gus Van Sant

Con este director entramos de lleno en los noventa, que inicia su carrera dentro del cine independiente de finales de los ochenta: Drugstore Cowboy y Mi Idaho Privado; pasando por los premiados dramas hollywoodienses, El indomable Will Hunting o Mi nombre es Harvey Milk; hasta el cine de experimentación formal: Elephant, Gerry o Last Days. Un creador con luces y sombras, pero por encima de todo es uno de los pocos cineastas americanos con libertad a la hora de afrontar cualquier obra.

El grupo de funk-rock Red Hot Chili Peppers, cuya fama a comienzos de lo noventa continuaba creciendo, decidió contar con este director para llevar su single Under the bridge al videoclip.

La  realización combina el ambiente urbano de Los Angeles y las ensoñaciones del cantante, mientras la canción narra los problemas con las drogas que, de hecho, tuvo el cantante del grupo, Anthony Kiedis.

Obtendría el premio Mtv a mejor video musical y ya sabemos lo importante que son estos galardones, a la altura de la Palma de Oro. Cuántos galardones pueden presumir de contar con una categoría dedicada al mejor beso cinematográfico.

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19
Jun
14

“Hansel y Gretel” por Tim Burton

Gracias a Internet hoy en día podemos disfrutar de reliquias como esta. Un mediometraje que Tim Burton realizó, cuando trabajaba para Disney, como encargo para emitir en Disney Channel el día de Halloween de 1982. 100.000 dólares de presupuesto, filmado en 16 milímetros y con actores americanos de ascendencia japonesa. Así su empleado les ofreció una visión muy personal del cuento de los hermanos Grimm. ¿Qué ocurrió con el mediometraje? Pues que para Disney resultó demasiado bizarro y decidió emitirlo un año después, como no logró repercusión pasó a ser una pieza desaparecida en el estudio.

Como ya dije antes con la ayuda de Internet alguien ha adquirido la copia y no dudó en subirlo a Youtube, para compartirlo con todo el mundo. Y aquí tenéis el mediometraje en versión original. No os esperéis una obra maestra pero sí una muestra para observar los comienzos del universo Burton, que luego trasladó con tanto éxito al cine.

Gracias a A.B por su aportación

06
Abr
13

Directores de fotografía actuales que conviene conocer

El otro día estaba leyendo un suplemento de la gran revista de cine Cahiers du Cinema, dedicado a Christopher Doyle. En ese momento recordé que había publicado una entrada recomendando directores actuales poco conocidos.  

Como me considero un apasionado de la imagen cinematográfica llega el momento de ofreceros a los que yo considero los grandes  directores de fotografía. Además, como es algo tan puramente visual me permitiré el lujo de mostraros pequeños ejemplos de sus trabajos.

Cristopher Doyle

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Con una trayectoria vital apasionante, este australiano se afincó profesionalmente en Asia y fue en Hong-Kong, gracias a la colaboración con Wong Kar-Wai, donde obtuvo repercusión internacional. Filmes como In the mood for love, Ashes of time, 2046 o Chungking Express, son la prueba palpable de su excelente labor.

Su método de trabajo siempre es comparado al de un músico de jazz, trata de encontrar la película a través de los medios disponibles y los desafíos que se presentan en un rodaje.  Está cerca de los actores tratando de que sean ellos los que se muevan libremente por la escena, mientras él y el director logran captar las situaciones que se generan.

En cuanto a su estilo visual predomina el uso de encuadres inesperados filmados con cámara en mano, ralentíes, colores saturados, reflejos e imágenes difuminadas.  Con todos estos elementos logra componer una versión sui generis  del collage plástico.

Emmanuel Lubezki

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Nominado cinco veces a los Oscars, comenzó de la mano de su compatriota y amigo Alfonso Cuarón, sus películas serán  las que le brindarán reconocimento internacional y su primera nominación a los premios de la Academia. Después vendrían sus trabajos más conocidos y colaboraciones con directores de renombre, Tim Burton o Ron Howard, entre otros. 

Bajo mi perspectiva soy un admirador de su labor en:  Hijos de los hombres, y la más reciente, El árbol de la vida.  Son  filmes que presentan una elevada complejidad. La primera tiene que lidiar con los numerosos planos secuencia que pueblan la acción, además debe transmitir la decandencia  social y ambiental de esa Inglaterra futurista. Lo logra con el empleo limitado de colores y  el predominio de tonos grisáceos, un trabajo impecable.  Para la cinta de Malick destaca por encima de todo el método de filmación. Se realizó sin reglas preestablecidas y con un equipo limitado.

No podría definir un estilo homogéneo en todos sus trabajos. Nos encontramos películas con una iluminación naturalista (El Nuevo Mundo), la luz como un elemento romántico e idílico (Un paseo por las nubes) o para transmitir una determindada época llena de oscuridad (Sleepy Hollow).

Roger Deakins

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Desde 1991 ha sido el colaborador habitual de los hermanos Coen. Nominado diez veces a los Oscars pero sorprendentemente todavía no lo ha logrado. Es un profesional que selecciona cuidadosamente los trabajos que le ofrecen guiándose por el contenido del guión cinematográfico.

Nacido en Inglaterra en 1949, desde muy pequeño fue un apasionado de la pintura y la fotografía, hasta los años 90 no daría el salto al primer plano del panorama cinematográfico, con la película Barton Fink. Desde ese momento comenzaría la relación de éxito con los Coen y la suya en Hollywood.

Con un aspecto que mezcla un aire retro y moderno, sin saturaciones, sencillo y realista. Todo se basa en una iluminación suficiente  que sea capaz de resaltar la paleta de colores.

Para ilustrar su estilo tenemos el excelente trabajo de Skyfall, memorable la secuencia en Shanghai. También Fargo ofrece el logro de filmar con un paisaje rodeado de nieve y obtener esa mezcla de tonos fríos donde resaltan los colores primarios. Y para terminar, El asesinato de Jesse James por el cobarde de Robert Ford, un western estilizado y moderno, pocas veces hemos visto algo así en ese género. Tenéis la prueba en el vídeo.

Enlace, en inglés, a un artículo que recoge comentarios del propio Deakins sobre la filmación de las escenas más representativas de su filmografía.

Christian Berger

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Con este último director de fotografía entramos de lleno en la cinematografía europea.  Sus trabajos más exitosos y alabados vienen de la mano de Michael Haneke. Profesor de fotografía cinematográfica en la Vienna Film Academy y creador de un sistema de iluminación denominado Cine Reflect Lighting  System (CRLS).

En el estilo de este veterano austríaco predomina la austeridad en los encuadres, una paleta de color limitada y la iluminación fría que llena todo el plano. Su sistema CRLS le facilita la obtención de esos encuadres que dan la impresión de estar filmados con luz natural. El sistema funciona a través del uso de reflectores y más cantidad de luminarias en los focos, lo que permite ahorrar espacio y energía.

¿Películas que muestran su estilo? La cinta blanca, es un logro el trabajo con el blanco y negro, pero previamente se filmó en color para lograr una alta calidad de imagen.  Destacable las escenas donde tenemos como única fuente de iluminación, las velas. La pianista, es donde mejor se observa el estilo austero de encuandres racionales y fríos, para transmitir un mundo rígido y deprimido.