Posts Tagged ‘Magnolia

17
Mar
15

Animus criticandi: Puro vicio (2014)

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Dicen que las novelas del ermitaño escritor norteamericano Thomas Pynchon son inadaptables a la gran pantalla, de hecho, Puro vicio (de ahora en adelante Inherent Vice, me gusta más), el séptimo largometraje de Paul Thomas Anderson, es el segundo filme que lleva al cine una obra de Pynchon y la primera es un docudrama alemán del 2002 basado en El Arcoiris de gravedad (1973), del que hay muy poca información. Con todos estos antecedentes parece que sólo un grandísimo director, fan de la literatura de Pynchon, podría atreverse con Inherent Vice (2009). Segunda aproximación de Paul Thomas Anderson a la comedia, la anterior fue Punch Drunk Love (2003), ganadora en Cannes a mejor guión. Y, también, su segunda adaptación de una novela tras Oil! (1927) de Upton Sinclair para Pozos de ambición (2007)

La película respeta la historia base de la novela: Los Angeles, 1970, en plena decadencia hippie, un detective “fumeta”, Larry “Doc” Sportello (Joaquin Phoenix), recibe la visita de su ex, Shasta Fay (Katherine Waterston), que le pedirá ayuda para encontrar a su amante desaparecido, un acaudalado constructor llamado Mickey Wolfman (Eric Roberts), que trata de reparar todo el mal que ha hecho. A partir de ahí, Sportello, se sumergerá en una trama propia del cine negro.

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Si hay algo por lo que destaca la novela es por su ambientación y el torrente de personajes que circulan por el libro. Thomas Anderson, en cambio, opta por condensar la acción, eliminar lugares y emplazar la historia exclusivamente en la urbe de Los Angeles. No me gusta esta decisión, echo en falta determinados personajes y situaciones que figuran en la obra original, enriqueciéndola, y que podrían haberlo hecho con la película. Ahora bien, comprendo la posición de Thomas Anderson, escapar de la narrativa laberíntica de Pynchon -durante la lectura es fácil perderse si no estás atento- y topar su camino para adaptar Inherent Vice.

Ese camino pasa por los diálogos, en cada escena siempre hay conversaciones entre dos o más personajes, una constante de su cine, la mayoría filmados con primeros planos muy similar al estilo que empleó en The Master (2012), un claro homenaje al cine negro americano de los años 40 y 50. El problema viene cuando esos diálogos no siempre logran captar mi atención. Ni siquiera el humor patético y absurdo, que bebe directemante de la novela, se libra de esa irregularidad mediante momentos ligeramente forzados.

Estamos en los 70, la ola hippie ha terminado pero los personajes continúan viviendo esa resaca, se resisten a renunciar al movimiento que aspiraba a cambiar la sociedad. Sportello, a medida que va avanzando en el caso, si es que se produce, se topará con la verdadera situación que atraviesa el país: movimientos antidemocráticos impulsados por el gobierno, el capitalismo salvaje y la construcción descontrolada, el oscuro negocio de las drogas,… La decadencia está reflejada en la película aunque de una manera menos directa que en la obra de Pynchon, repleta de profusas descripciones. Gracias a la fantástica fotografía en celuloide de Robert Elswit, suavizada por la iluminación del océano o planos a contraluz que le proporciona el tono de fotografía casi velada, permite, por otro lado, transmitir cierto aire alucinatorio.

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La música juega su papel, canciones krautrock, sin temas reconocibles de los setenta, salvo Wonderful World de Sam Cooke (es de 1960) y una partitura minimalista con toques jazz a cargo de Jonny Greenwood. Son elementos que, todos juntos, remarcan la muerte de una época que pudo ser y no fue, otrora llena de vida, psicodelia y sonidos.

Respecto a los personajes y dejando de lado que todo el reparto escogido es excelso, no podía ser de otra manera tratándose de una película de Thomas Anderson; es aquí donde está su aspecto más negativo, la corta presencia en pantalla de muchos  secundarios: Sloane, la mujer del constructor desaparecido, Sauncho, amigo y abogado de Sportello, Hope Harlingen,… No me facilita llegar a al mismo nivel de empatía que, por otra parte, sí que se logra con la novela.

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Realizando una valoración global, incluyendo toda la obra de Thomas Anderson, la considero una película interesante y menor en comparación con sus grandes creaciones como Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), Pozos de ambición o The Master.

Me da la sensación de que este tipo de cine lo realiza por una razón. Por ejemplo, después de lo enorme y maravillosa que es Magnolia llegó Punch Drunk Love, amada y odiada a partes iguales, pero sin duda una obra pequeña. Aquí estamos ante una situación similar, en 2012 finaliza The Master, abrumadora, compleja tanto de puesta en escena como de conceptualización, y ahora nos ofrece esta adaptación como desahogo o un pequeño cambio de aires momentáneo, espero que sea así, momentáneo.

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27
Ago
14

Algunos videoclips realizados por directores de cine

Junto a los spots o las series de televisión los videoclips sirven como una plataforma en la que muchas productoras encuentran a sus nuevos realizadores. Pero para esta entrada me voy a centrar en aquellos directores cuyos orígenes y éxitos se encuentran dentro del cine y deciden realizar videoclips.

Wong Kar-Wai

En una anterior publicación os hablé de su fantástico trabajo cinematográfico. El uso que realiza de las atmósferas visuales, el manejo de la cámara y un montaje casi improvisado, son ingredientes muy apetitosos para cualquier videoclip.

El video en cuestión es del músico y rapero americano DJ Shadow, que en el 2002 quiso contar con su director favorito para la realización del videoclip. En él, Kar-Wai, narra una historia de desamor con similar estética que sus filmes más célebres: Chunking Express, 2046 o Happy Together. Ayudado por Cristopher Doyle, su director de fotografía hasta el año 2006, fecha en la que su relación profesional se rompió, poniendo fin a una fructífera colaboración artística.

Paul Thomas Anderson

Como Wong Kar-Wai, también tiene mi respeto y su espacio en este blog. Actualmente sigue siendo de las mejores cosas que le han ocurrido al cine americano en estos últimos 20 años.

Thomas Anderson le da una importancia vital a la música en sus películas, así que no es extraño su interés por la filmación de videoclips. El mejor ejemplo es este fragmento musical del filme Magnolia, podría dar el pego como un vídeo musical de Aimee Mann, la autora de la canción.

 El músico para el que realiza este primer vídeo es Michael Penn, compositor y cantante que ya elaboró la banda sonora de dos de sus películas: Sidney Hard Eight y Boogie Nights. En el videoclip es fácil reconocer su estilo, una iluminación cuidada y de tonos fríos, planos secuencia, abundancia de travellings y movimientos coreografiados.

Si en el anterior video predominaban el movimiento, en este segundo videoclip es justo lo contrario, destaca el minimalismo, el montaje a pantalla partida de los diferentes primeros planos en blanco y negro de Fiona Apple y sus acompañantes.

David Lynch

Un consumado creador como él no puede ser ajeno al videoclip y, además, si desde hace unos años está inmerso en el mundo de la música, donde cuenta con sus dos propios álbumes de estudio: Crazy Clown Time (2011) y The Big Dream (2013), de escucha recomendada.

En este reciente primer videoclip colabora con el grupo de rock alternativo Nine Inch Nails demostrando que todavía mantiene intacta la pericia técnica para crear imágenes perturbadoras y provocar epilepsia.

Con el lanzamiento de su primer disco él mismo se encargó de elaborar el video musical del single que da título a su primer álbum. Filmado con cámaras de vídeo digital, continuando con el estilo de su último trabajo cinematográfico, la excelente Inland Empire.  

Tim Burton

Si el genio creativo de un director se termina o progresivamente desaparece, junto con Francis Ford Coppola, Burton también formaría parte de ese grupo.

Muy poco queda ya de esa inventiva sorprendente capaz de  generar personajes y universos únicos, que llegaban a a ser admirados e imitados, como Beetlejuice o Eduardo Manostijeras.

Aquí tenemos el videoclip del año 2012 para la banda The Killers. Lleno de ingredientes “burtonianos”, comenzando por la historia: un chico solitario está obsesionado con la célebre artista, interpretada por Winona Ryder, otrora actriz fetiche; sin olvidar la iluminación tétrica, las espirales o el ambiente gótico.

Spike Lee

Este es un caso particular, sabía que había realizado videos para Public Enemy o Michael Jackson, pero nunca hubiese imaginado que el camino de Eros Ramazzotti se juntase con el de Spike Lee.

Conocemos su trabajo por la temática racial de muchas de sus películas dentro del ambiente urbano. Por eso extraña, ese es mi caso, que  se encargue de llevar al videoclip una canción romántica de Ramazzotti.

De todos modos, en el aspecto técnico predomina una fotografía muy contrastada, tonos fríos en los interiores y cálidos para las escenas exteriores; este tipo de iluminación está muy presente en su cine. Además, opta por distorsionar la imagen en buena parte del videoclip mediante desenfoques muy acentuados.

Mucho más actual es este trabajo del rapero Eminem, en homenaje a su madre. Ante el tema de la canción, Lee, opta por ofrecer el punto de vista de la “madre” del rapero y seguir los intentos para reencontrarse con su célebre hijo, mientras rememora el pasado. Técnicamente ya no hay tanto trabajo con la iluminación, pretende que sea lo más natural posible y sin alardes técnicos.

Gus Van Sant

Con este director entramos de lleno en los noventa, que inicia su carrera dentro del cine independiente de finales de los ochenta: Drugstore Cowboy y Mi Idaho Privado; pasando por los premiados dramas hollywoodienses, El indomable Will Hunting o Mi nombre es Harvey Milk; hasta el cine de experimentación formal: Elephant, Gerry o Last Days. Un creador con luces y sombras, pero por encima de todo es uno de los pocos cineastas americanos con libertad a la hora de afrontar cualquier obra.

El grupo de funk-rock Red Hot Chili Peppers, cuya fama a comienzos de lo noventa continuaba creciendo, decidió contar con este director para llevar su single Under the bridge al videoclip.

La  realización combina el ambiente urbano de Los Angeles y las ensoñaciones del cantante, mientras la canción narra los problemas con las drogas que, de hecho, tuvo el cantante del grupo, Anthony Kiedis.

Obtendría el premio Mtv a mejor video musical y ya sabemos lo importante que son estos galardones, a la altura de la Palma de Oro. Cuántos galardones pueden presumir de contar con una categoría dedicada al mejor beso cinematográfico.

16
Sep
13

Animus criticandi: El atlas de las nubes

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A mediados del 2012 vio la luz un extenso tráiler de más de cinco minutos de duración, algo fuera de lo común en este tipo de vídeos promocionales, que adaptaba la novela Cloud Atlas (2004) de David Mitchell. Sorprendido por ese avance que te conducía por diferentes historias en el pasado, presente y futuro, cuyos personajes principales estarían interpretados por los mismos actores. Además la realización y el guión corrían a cargo de tres realizadores: Tom Tywker, artífice de la interesante Corre, Lola, corre (1998) y los hermanos Wachowski, padres de la trilogía Matrix y guionistas de V de Vendetta. La última sorpresa vino de la mano de su amplio reparto lleno de rostros muy conocidos: Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant, Hugo Weaving, Ben Wishaw, Susan Sarandon, Jim Broadbent, Jim Sturgess, Bae Doona, Keith David y James D´Arcy.

No voy a desvelar detallles de la trama, voy a dar pequeños detalles críticos sobre la película, no me interesa destriparla parte por parte. Así que no hay spoilers, leed con tranquilidad

El argumento, al igual que en la novela, sigue los sucesos de seis historias desarrolladas entre el pasado (1849, 1936 y 1973), presente (2012) y futuro (2144 y 2321). Todas conectadas por pequeños detalles y contenidas detro de cada una.

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Después de todas estas expectativas o hype, que es como se dice ahora. La película ha sido un fracaso en la taquilla americana, su recaudación total asciende a 27 millones $  y la global son 130 millones $, cuando la cinta costó 100 millones de $, recuperando poca cantidad invertida.

Ahora, personalmente, antes de ver esta película no tenía puestas muchas esperanzas, pensaba que todo sería más sensiblero, con filosofía barata y un espectáculo vacuo; pero todo lo contrario el filme me ha sorprendido y ahora os explicaré el por qué.

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Tengo que destacar su ritmo, es verdaderamente entretenida, los tres realizadores y la labor de los montadores evitan que la película caiga en el caos descontrolado o la monotonía, deseando ver el desarrollo de la siguiente historia. Con todo esto hacen que la película funcione, casi, como un viaje y todos los magnificos escenarios contribuyen a ello.

Supongo que la novela tendrá más calado filosófico y místico que el que ofrece la película, pero los creadores han optado por buscar equilibrio entre ritmo y profundidad intelectual. Hay un acercamiento a esa temática metafísica pero sólo en determinados momentos, es superficial, sí, pero funciona de manera correcta por cómo están ejecutadas  las diferentes historias.

En el filme hay momentos verdaderamente inspirados: en la parte de 1936, la creación de una sinfonia llamada El Atlas de las Nubes, o el fragmento del 2114, en Neo Seoul, un tramo de ciencia ficción de calidad orquestado por los Wachowski.

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La idea de que los actores interpreten a diferentes personajes es muy interesante que casa de manera perfecta con las características de las historias. Pero en ocasiones el excesivo maquillaje mancha esa buena ideaHugo Weaving, Tom Hanks Jim Broadbent son los actores que más partido sacan a sus diferentes personajes.

Bien, todo esto es muy bonito y hace que parezca perfecto, pero tiene puntos negativos que conviene resaltar.

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Para empezar, el salto de una historia a otra puede desconcertar a los espectadores, esto es un aspecto discutible pero lo siguiente no; en fragmentos donde las historias están llegando a su clímax los cambios que se producen son bruscos  impidiendo un desarrollo fluido. En este punto es lógico pensar que los guionistas no hayan encontrado una manera mejor de realizar esos saltos entre fragmentos.

Relacionado con lo anterior, hay fragmentos que se muestran demasiado estructurados, parecen pequeños cortometrajes que se van interrumpiendo. Ésto afecta a que la aparación de determinados personajes secundarios, con relativa importancia, tengan poca presencia haciendo muy difícil que te creas sus acciones.

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Podríamos enmarcar esta película dentro de ese subgénero del drama urbano que en los años 90 encontró su paradigma, de la mano de Short Cuts (1993) de Robert Altman, seguido por Magnolia (1999) de Paul Thomas Anderson, Amores Perros  (2000) de Alejandro González Iñárritu o Crash (2004) de Paul Haggis. Todos estos filmes de historias cruzadas tienen lugar en un mismo plano espacial y temporal, la ciudad. Además de existir una mayor o menor carga crítica hacia los comportamientos humanos o el ambiente en el que se habita. El atlas de las nubes se podría acotar en ese subgénero pero con una diferencia clave, hay una mezcla de géneros muy destacable en esta cinta: histórica, ciencia ficción, comedia, romance e incluso comedia.

En definitiva, una buena película que presenta un planteamiento poco común, excelentes momentos y entretenimiento, es lo más atrevido que encontraréis en las carteleras de los cines, bueno ahora en la sección de DVDs.

Puntuación:7/10

03
Sep
12

Directores actuales que conviene conocer (Actualizado)

Todos conocemos el trabajo de los realizadores consagrados como James Cameron, Ridley Scott, Steven Spielberg, etc. Pero como en todas las cosas de la vida hay siempre un grupo de directores, tanto americanos como extranjeros, que pasan desapercibidos a pesar de realizar grandes películas.

Nicholas Winding Refn

Recientemente recibió el premio a mejor director en el Festival de Cannes de 2011 por su trabajo en la brillante película Drive, que le sirvió para darse conocer al gran público con la que es hasta el momento su mejor filme.

Nicholas se muestra como un realizador capaz de combinar un estilo propio del cine negro, mezclado con una atmósfera de los años 80 como hizo con Drive; o bien filmar de una manera casi semidocumental con su interesante trilogía Pusher sobre los bajos fondos de Copenhague. 

Un cineasta que por lo que hemos visto hasta ahora tiene mucho que ofrecer. Espero con ganas su última película, Only God forgives.

Paul Thomas Anderson

Ya en la sección de Esperando estrenos os hablé de la admiración que siento por el trabajo de este hombre. Un director que con tan solo 25 años creó una obra tan original, grande y madura como Magnolia. Y tan solo 2 años antes deslumbró a la crítica con Boogie Nights.

Es un realizador al que se le compara con Scorsese, por sus conocimientos sobre cine tanto americano como europeo. Por supuesto también a nivel técnico es uno de los mejores, y lo bueno es que solo tiene 42 años por lo  que le queda carrera para rato.

Michael Haneke

El último ganador de la Palma de Oro por la película Amour (2012), es un director que destaca por escarbar en las miserias morales del ser humano.  Un hombre con una personalidad compleja además de ser un gran conocedor de la cultura europea. Combina su trabajo en el cine, con la dirección de obras de teatro y ópera.

Sus películas son difíciles, Haneke no da concesiones a los espectadores, quiere que se cuestionen lo que están viendo y que ellos mismos saquen conclusiones. En ocasiones las historias que muestra son tan reales que te hace sentir y padecer al igual que sus personajes protagonistas.  Pero destaca, por encima de todo, su trabajo con los actores y brillante sobriedad de la puesta de escena.

Michel Gondry

Aclamado por sus trabajos en el mundo de la publicidad y de los videoclips,  que destacan por su inventiva. Gondry  saltó al cine de la mano del genial guionista Charlie Kaufman, con la irregular Human Nature. Pero el éxito le llegaría bien pronto gracias a la excelente Olvídate de mí, que consiguió el Oscar a mejor guión original. Es hasta el momento su mejor película, gracias al trabajo de escritura de Kaufman. Gondry supo encontrar el tono visual de la película, un estilo moderno donde combina lo que él aprendió en el mundo de la publicidad. Para mí el trabajo de realización está al mismo nivel que su guión.

Su cine consigue combinar lo mejor de los spots y los videoclips: lo visual, la imaginación pura y dura y el ritmo; dejando de lado todos sus vicios. Además él añade su estilo artesanal y naif.  La película que mejor ejemplifica ésto es La ciencia del sueño, una verdadera delicia llena de creatividad.

Wong Kar-Wai

WongKar-Wai

Hace apenas unos meses se presentó su última película, The Grandmasters, en el festival de Berlín por ello es un buen momento para recordar las bondades de la obra de Kar-Wai.

Personalmente destacaría tres películas, las mejores bajo mi prisma y las que representan el estilo de este cineasta que son: Chungking Express, In the mood for love y Fallen Angels. Los tres filmes tienen en común una historia sobre relaciones personales, la angustia existencial en el mundo urbano y  la desesperación por el amor. Hasta aquí la temática no es novedosa, pero donde se hace grande este cineasta es en la creación de atmósferas ayudado por uno de los genios de la cinematografía moderna, Christopher Doyle. Imágenes donde se mezclan primerísimos planos con grandes contrastes cromáticos, escenas ralentizadas, panorámicas, texturas resaltadas y encuadres imposibles. Obviamente todo esto siempre va unido a la historia y al ambiente donde se desenvuelven sus personajes, no es algo vacuo o efectista.

Podría seguir añadiendo más directores por los que siento predilección, pero muchos de ellos tienen pocas películas, son más conocidos que los que figuran aquí, o bien han fallecido.