Posts Tagged ‘Emmanuel Lubezki

10
Feb
16

Animus criticandi: The Revenant (2015)

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Hace un año, más o menos, Birdman (2014) mostraba el excelente momento creativo de Alejandro González Iñárritu, certificado por cuatro Oscars (mejor fotografía, guión, director y película) y se intuía un apasionante futuro de nuevos proyectos, pues bien, su nueva película no hace sino dejar claro que en Hollywood, actualmente, hay muy pocos como él.

Antes de comenzar cualquier análisis conviene decir que, tras ver toda la filmografía del director mexicano, The Revenant ofrece las señas de identidad más importantes de su cine, por ejemplo el sufrimiento humano (explorado ampliamente en Amores Perros, 21 Gramos, Babel  o Biutiful) así como la pericia técnica desplegada en Birdman con el serio respaldo de Emmanuel Lubezki, por lo que rompe definitivamente con esa imagen feísta de sus primeros trabajos.

Desde mucho antes del estreno de The Revenant se sabía que el argumento no iba a ser el más original del mundo: Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), un explorador, y su hijo mestizo participan en una expedición de tramperos a la búsqueda de pieles, hasta que el ataque de una osa le deja gravemente malherido y en su agonía es abandonado por su compañero John Fitzgerald (Tom Hardy), el dolor y las ansias de venganza le permitirán sobrevivir para consumar su objetivo. Huelga decir que ahí no está su genialidad, esta reside en la aproximación a la acción, visceral y sin concesiones, haciendo el uso más inteligente de los efectos digitales y visuales que he visto en mucho tiempo. Al igual que en Birdman la cámara navega entre las escenas perfectamente coreografiadas realizando complejísimos movimientos: planos secuencia, travellings, grandes planos generales y primerísimos planos de los actores, esto último añade una sensación de tridimensionalidad y cercanía redondeada por dos interpretaciones magistrales a cargo de DiCaprio y Hardy que confluyen en un desenlace maravilloso.

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En medio de tanta dureza hay espacio para momentos líricos llenos de carga simbólica que homenajean a Andrei Tarkovsky o Terrence Malick. Curiosamente, debido a la naturaleza de la narración, estos momentos podrían no haber funcionado pero están escogidos con precisión y surgen desde los recuerdos, alucinaciones o ensoñaciones del protagonista por lo que tienen sentido dentro del conjunto de la película.

THE REVENANT Copyright © 2015 Twentieth Century Fox Film Corporation. All rights reserved. THE REVENANT Motion Picture Copyright © 2015 Regency Entertainment (USA), Inc. and Monarchy Enterprises S.a.r.l. All rights reserved.Not for sale or duplication.

Si a través de la realización y las interpretaciones logra sumergirte en ese sufrimiento, seguro que si no hubiese sido filmada en remotos parajes naturales el resultado hubiese sido muy diferente. The Revenant recupera la tradición que Hollywood desterró tras esa generación de cineastas que revitalizó a una industria moribunda, hablo de Michael Cimino, Francis Ford Coppola, William Friedkin, etc. Y me refiero a esos complejos rodajes en exteriores con poco control donde se obtienen unos enormes beneficios a nivel artístico.

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Si no lo había hecho con anterioridad ahora no hay dudas, Emmannuel Lubezki, el director de fotografía, entra de lleno en la historia del cine, así de simple, la belleza de las imágenes iluminadas exclusivamente por la luz natural hace que el cine digital dé un paso adelante uniendo el enorme grado de detalle, que se obtiene con las nuevas cámaras, al innegable logro estético que supone. Hay más magia en un diálogo entre dos personajes a la luz de una hoguera que en cualquier blockbuster reciente inflado de efectos digitales.

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Y ya para terminar, me gustaría hacer un comentario sobre la valoración común de las críticas menos favorables hacia The Revenant, en ellas se dice que es una película con una factura técnica brillante y de bellas imágenes pero que no logra contagiar emoción, sin duda un argumento inútil para valorar una película, emplear una cualidad tan subjetiva con la intención de no profundizar más en las causas de por qué el filme no gusta demuestra una dejadez preocupante. Mi consejo es que no les hagan caso y vayan a verla.

22
Ene
15

Animus criticandi: Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) (2014)

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La carrera de Alejandro González Iñárritu mostraba claros signos de agotamiento, Babel y Biutiful estaban lejos de la maestría de Amores Perros o 21 gramos. ¿Su nueva película seguiría el mismo camino? ¿O su talento como narrador se había esfumado?

Tras un parón cinematográfico de cuatro años, Iñárritu, regresa con Birdman, una película brillante y genial, su mejor obra. Una cinta sobre el oficio de actor y por extensión de cualquier creador o artista que busca la relevancia de su labor.

Michael Keaton encarna a Riggan Thomson, otrora estrella de una taquillera saga de superhéroes llamada Birdman (la referencia está muy clara), que intenta llevar a cabo la representación en Broadway de una obra de Raymond Carver, la cual dirige, interpreta y produce. Mientras, tendrá que lidiar con su voz interior (representada por Birdman), los avatares de la producción y los problemas con su familia y el resto del reparto.

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Ejecutada en un solo plano secuencia, eso sí, editado para falsear la unidad de la toma, hace que Birdman se convierta en un prodigio formal. La historia avanza por los pasillos del teatro a un ritmo frenético, como si se tratase de las interioridades de los personajes; con situaciones desbordantes de ingenio y de excelente comicidad, inédita en el cine del mexicano.

Iñárritu abandona el montaje fragmentado que realizaba con su anterior guionista, Guillermo Arriaga, para apostar por la unidad de la historia facilitando la fluidez de las situaciones. Se libera de los precisos guiones de su compatriota para lanzarse a una nueva etapa como narrador. Eso sí, mantiene una de sus señas de identidad: los personajes atormentados en constante lucha vital.

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Se produce algo curioso respecto al guión de Birdman y es que toda la producción se llevó a cabo sin improvisación de ningún tipo, en cambio, transmite todo lo contrario, da la sensación de ser una obra llena de libertad creativa, tanto del director como de los intérpretes. Quizás la excelente banda sonora puede que me haya ayudado a realizar esa apreciación, porque durante gran parte del filme las acciones vienen acompañadas por un agitado solo de batería, a ritmo de free-jazz, la que es, sin duda, la mejor opción musical y capaz de eliminar cualquier pretenciosidad de las imágenes, algo de lo que adolecían sus dos últimos trabajos.

Tanto la forma y el fondo de la película cargan la mayor parte de su peso en unos actores fantásticos. Michael Keaton renace para interpretar a un personaje hecho a su medida, Edward Norton en un papel genial, Naomi Watts,Emma Stone, Zach Galifiniakis y demás intérpretes están a un nivel excelso.

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Birdman tiene una relación muy próxima con el presente siendo, además, muy crítica; Twitter y la viralidad en Internet, Youtube o la repercusión instanánea que se obtiene a través de esas plataformas, los blockbusters de superhéroes y sus interminables sagas, dardos envenenados hacia los críticos, publicistas e incluso célebres compañeros de profesión.

Emmanuel Lubezki es el artífice, sin olvidar a Iñárritu, de que todo el dispositivo técnico brille a un nivel soberbio. Los juegos de luces dentro del teatro, en la calle o los propios decorados de la representación son fabulosos, de una ejecución técnica complejísima y, además,  el magistral uso de la cámara desencadenada que se comporta como un personaje más. Todo lo mencionado bien le puede valer su segundo Oscar consecutivo, es mi principal apuesta para esa categoría.

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Este nuevo camino de Iñárritu promete grandes cosas.

04
Nov
13

Animus criticandi: Gravity (2013)

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Pocas veces se asiste a un espectáculo semejante, una proeza técnica al servicio de una historia que te absorbe e hipnotiza desde el primer minuto. Y todavía ocurre algo aún más extraño, que toda la crítica cinematográfica se rinda ante la obra de un creador en plena forma.

Recuerdo que mi primera película visionada en 3D fue, la ultrapromocionada e inflada, Avatar. Una experiencia que distó bastante de las expectativas ofrecidas por la crítica, los tráilers y el precio de la entrada, además la tecnología 3D todavía no lograba la inmersión necesaria en la historia, amén de varios errores técnicos: imagen demasiado oscura, fondos desenfocados,etc. Con esto quiero que conozcáis mi breve experiencia asistiendo al cine en 3D. Pero bueno, no quiero que una mediocridad como Avatar empañe la excelencia de Gravity.

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Durante un paseo espacial para reparar un satélite, dos astronautas: la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el experimentado astronauta Matt Kowalsky (George Clooney), son alcanzados por una lluvia de basura espacial quedando el trasbordador y el satélite destrozados, dejando a los dos astronautas solos en la inmensidad del espacio. Su objetivo será encontrar un medio para volver a la Tierra.

Gravity nos narra una historia de supervivencia en un medio hostil de manera directa sin más adornos ni efectismos. Un argumento sólido en todo momento. Ante la aparente sencillez Alfonso Cuarón sabe tratar al espectador como alguien inteligente, renunciando a obviedades o explicaciones superfluas que lastran el desarrollo de la película. En este punto algunos críticos pondrían una pega –porque ellos son asi de tiquisquimiquis– y es el drama familiar del personaje de Sandra Bullock, yo no comparto ese punto de vista, creo que es necesario para enriquecer la historia. Cuando veáis la película os daréis cuenta de lo que hablo y ya podréis hacer vuestras valoraciones.

Reconozco que tenía dudas muchas dudas con los actores, concretamente con Sandra Bullock, una actriz que no me gusta y seguirá sin gustarme pero en esta película y en manos de un excelente director logra una interpretación drámatica y física a la altura del filme. Por el otro lado, su partenaire en la pantalla, George Clooney, realiza un papel breve, solvente y relativamente desenfado, como un veterano acompañante psicológico y moral. Lo que he mencionado al comienzo de este párrafo viene a confirmar mi teoría, la cuál funciona así: un actor malo, digamos de registros y expresividad limitada, se junta con un director excelente, unido a una buen guión (o viceversa), éste automáticamente realizará una de sus mejores interpretaciones. Un día que me apetezca ampliaré esta conjetura con ejemplos concretos, pero mientras tanto pensad en ello.

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Me vienen a la mente muy pocas películas en las que la narración y el apartado visual rocen la perfección, como es esta caso. Por un lado está la capacidad de Cuarón para manejar el pulso de la película con maestría, no tiene dificultad alguna y alterna entre la acción, el suspese o el drama. Junto con su virtuoso manejo de la cámara que, como demostró de  manera espectacular en Hijos de los hombres (2007), pero en Gravity alcanza un nuevo nivel que te sumerge  junto a los personajes protagonistas en el espacio. Además todo ello lo hace sin renunciar a su sello personal, planos largos y sin cortes (algunos de ellos están modificados digitalmente para transmitir esa sensación), alternando la visión subjetiva del personaje sin que afecte a la fluidez de la película. Sinceramente creo que muy pocos directores en el mundo podrían alcanzar el nivel de destreza del realizador mejicano, creo que será la película por la a Cuarón. Sería justo, después de alabar la figura del director, hacer una mención a los encargados de los efectos visuales que ofrecen unas cotas de realismo donde resulta casi imposible adivinar qué es real y qué es lo generado por ordenador. Y, como no, los detalles en los efectos de sonido, al no poder introducir sonido directo del espacio (lógico), optan por añadir pequeños ruidos amortiguados que provienen de los trajes espaciales de los protagonistas, algo que te imbuye todavía más en la experiencia.

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Ya os hablé en un post anterior sobre directores de fotografía de mi admiración por Emmanuel Lubezki, fiel cinematógrafo y amigo, desde los comienzos del director. No tenía un trabajo fácil, iluminar para la filmación en 3D es muy diferente pero la labor que realiza sólo se puede catalogar como excelente. Él nos ofrece un espacio infinito, de tonos fríos donde el único punto de luz es el relflejo de la luz del Sol en la Tierra y cómo desaparece ésta en función de la rotación terrestre. Una labor brillante.

Siguiendo con la imagen, quiero focalizar este párrafo en el 3D empleado en la película. Nunca he sido un entusiasta de este nuevo método proyección, me encotraba entre los recelosos de su triunfo, causado por la pobre experiencia de Avatar (ya no doy más la brasa con esta película, tranquilos), los nuevos estrenos no despertaban esperanzas y mi escasa o nula experiencia visionando cine 3D. No tengo niguna duda que en este caso sí aumentan las posibilidades de la historia. Puede que en 2D continúe siendo una buena película porque mantiene intacta la brillante labor técnica, la narración y la mano del director. Pero el 3D eleva la película a una nueva dimensión (valga la redundancia), sin este visionado creo que no podrías disfrutar de igual manera de la sensación de ingravidez, la profundidad del espacio y la inmensidad de la Tierra.  El visionado en 3D logra que Gravity pase de ser una película a una experiencia muy pocas veces vista.

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Como todo en la vida, nada es perfecto y aquí también hay pegas o defectillos que no empañan los logros obtenidos durante la hora y media de proyección. Por ejemplo el uso de la música en pequeños momentos de tensión, remarcan excesivamente el instante perdiendo capacidad de sorpresa. Y los diálogos no están en consonancia con la brutal narración visual de Cuarón. En fin, detalles.

No sé que más decir de la que ya es para mí una de las mejores películas de los últimos cinco años. Hace ya unos días que la ví, pero acudiría al cine para volver disfrutar de esa experiencia tan fantástica. Si váis al cine y sólo podéis ver una película, escoged Gravity porque de verdad merece la pena.

06
Abr
13

Directores de fotografía actuales que conviene conocer

El otro día estaba leyendo un suplemento de la gran revista de cine Cahiers du Cinema, dedicado a Christopher Doyle. En ese momento recordé que había publicado una entrada recomendando directores actuales poco conocidos.  

Como me considero un apasionado de la imagen cinematográfica llega el momento de ofreceros a los que yo considero los grandes  directores de fotografía. Además, como es algo tan puramente visual me permitiré el lujo de mostraros pequeños ejemplos de sus trabajos.

Cristopher Doyle

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Con una trayectoria vital apasionante, este australiano se afincó profesionalmente en Asia y fue en Hong-Kong, gracias a la colaboración con Wong Kar-Wai, donde obtuvo repercusión internacional. Filmes como In the mood for love, Ashes of time, 2046 o Chungking Express, son la prueba palpable de su excelente labor.

Su método de trabajo siempre es comparado al de un músico de jazz, trata de encontrar la película a través de los medios disponibles y los desafíos que se presentan en un rodaje.  Está cerca de los actores tratando de que sean ellos los que se muevan libremente por la escena, mientras él y el director logran captar las situaciones que se generan.

En cuanto a su estilo visual predomina el uso de encuadres inesperados filmados con cámara en mano, ralentíes, colores saturados, reflejos e imágenes difuminadas.  Con todos estos elementos logra componer una versión sui generis  del collage plástico.

Emmanuel Lubezki

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Nominado cinco veces a los Oscars, comenzó de la mano de su compatriota y amigo Alfonso Cuarón, sus películas serán  las que le brindarán reconocimento internacional y su primera nominación a los premios de la Academia. Después vendrían sus trabajos más conocidos y colaboraciones con directores de renombre, Tim Burton o Ron Howard, entre otros. 

Bajo mi perspectiva soy un admirador de su labor en:  Hijos de los hombres, y la más reciente, El árbol de la vida.  Son  filmes que presentan una elevada complejidad. La primera tiene que lidiar con los numerosos planos secuencia que pueblan la acción, además debe transmitir la decandencia  social y ambiental de esa Inglaterra futurista. Lo logra con el empleo limitado de colores y  el predominio de tonos grisáceos, un trabajo impecable.  Para la cinta de Malick destaca por encima de todo el método de filmación. Se realizó sin reglas preestablecidas y con un equipo limitado.

No podría definir un estilo homogéneo en todos sus trabajos. Nos encontramos películas con una iluminación naturalista (El Nuevo Mundo), la luz como un elemento romántico e idílico (Un paseo por las nubes) o para transmitir una determindada época llena de oscuridad (Sleepy Hollow).

Roger Deakins

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Desde 1991 ha sido el colaborador habitual de los hermanos Coen. Nominado diez veces a los Oscars pero sorprendentemente todavía no lo ha logrado. Es un profesional que selecciona cuidadosamente los trabajos que le ofrecen guiándose por el contenido del guión cinematográfico.

Nacido en Inglaterra en 1949, desde muy pequeño fue un apasionado de la pintura y la fotografía, hasta los años 90 no daría el salto al primer plano del panorama cinematográfico, con la película Barton Fink. Desde ese momento comenzaría la relación de éxito con los Coen y la suya en Hollywood.

Con un aspecto que mezcla un aire retro y moderno, sin saturaciones, sencillo y realista. Todo se basa en una iluminación suficiente  que sea capaz de resaltar la paleta de colores.

Para ilustrar su estilo tenemos el excelente trabajo de Skyfall, memorable la secuencia en Shanghai. También Fargo ofrece el logro de filmar con un paisaje rodeado de nieve y obtener esa mezcla de tonos fríos donde resaltan los colores primarios. Y para terminar, El asesinato de Jesse James por el cobarde de Robert Ford, un western estilizado y moderno, pocas veces hemos visto algo así en ese género. Tenéis la prueba en el vídeo.

Enlace, en inglés, a un artículo que recoge comentarios del propio Deakins sobre la filmación de las escenas más representativas de su filmografía.

Christian Berger

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Con este último director de fotografía entramos de lleno en la cinematografía europea.  Sus trabajos más exitosos y alabados vienen de la mano de Michael Haneke. Profesor de fotografía cinematográfica en la Vienna Film Academy y creador de un sistema de iluminación denominado Cine Reflect Lighting  System (CRLS).

En el estilo de este veterano austríaco predomina la austeridad en los encuadres, una paleta de color limitada y la iluminación fría que llena todo el plano. Su sistema CRLS le facilita la obtención de esos encuadres que dan la impresión de estar filmados con luz natural. El sistema funciona a través del uso de reflectores y más cantidad de luminarias en los focos, lo que permite ahorrar espacio y energía.

¿Películas que muestran su estilo? La cinta blanca, es un logro el trabajo con el blanco y negro, pero previamente se filmó en color para lograr una alta calidad de imagen.  Destacable las escenas donde tenemos como única fuente de iluminación, las velas. La pianista, es donde mejor se observa el estilo austero de encuandres racionales y fríos, para transmitir un mundo rígido y deprimido.