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29
May
15

Animus criticandi: Mad Max: Fury Road (2015)

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Uno siempre es escéptico cuando se anuncian nuevos reboots de sagas conocidas o de cintas icónicas con su pequeño espacio en la historia del cine. El anuncio de una nueva entrega de Mad Max, tras años de rumores, me despertaba dudas sobre el resultado final, ni siquiera saber que George Miller, el mismo director de las tres entregas anteriores, tomaba las riendas logaraba calmar mis dudas, sobre todo teniendo en mente el bajón de calidad que supuso Mad Max III: Más allá de la cúpula del trueno (1986) frente a las dos primeras. Estos prejuicios han mutado tras el visionado de Mad Max: Fury Road, la mejor entrega de la saga y un blockbuster ejemplar.

La base del argumento es bastante similar a Mad Max II: The Road Warrior (1981). Max Rockatansky (Tom Hardy) que continúa sobreviviendo en solitario, tras una serie de sucesos, se encuentra con un grupo de personajes, en este caso mujeres confinadas a la reproducción y recluidas en la ciudadela gobernada por el tirano Imortan Joe y encabezadas por Imperator Furiosa (Charlize Theron), intentarán escapar de la ciudadela hacia un lugar mejor. A pesar de la misantropía y el carácter solitario de Max las situaciones le obligarán a colaborar con esos personajes.

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Esta epopeya se desenvuelve en un ambiente puramente madmaxiano, permitidme la expresión, es decir, persecuciones a través de las tierras desiérticas y baldías, conduciendo vehículos gigantes con enormes motores V8 a toda velocidad, carrocerías modificadas de manera grotesca, explosiones, pesonajes desagradables y mentalmente inestables, accidentes, violencia… Todo los códigos de Mad Max pero elevados a la enésima potencia. Mad Max: Fury Road transmite la sensación de ser lo que siempre quiso realizar George Miller pero el presupuesto y los medios técnicos no se lo permitían. Estamos ante un universo expandido, no es una simple continuación, sino que ofrece una visión más amplia de lo mostrado en anteriores entregas, con un ambiente invadido por la locura y mucho más degradado.

El guión demuestra una solidez sorprendente para este tipo de género, no hay una profusión en los diálogos con la idea de desarrollar los personajes y que el progreso de la trama se produzca a medida que avanza la acción que tiene lugar en la pantalla, como la propia persecución. Está tan bien pensado que convierte la fuga que realizan Imperator Furiosa junto con Max, y sus dementes perseguidores encabezados por Inmortan Joe, en un escenario más de la película con el objetivo de emplazar la acción entre todos esos impresionantes vehículos.

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El veterano George Miller demuestra una pericia envidiable para filmar este tipo de películas, que son difíciles, dando una lección a las nuevas generaciones de cómo se debería filmar cine acción de espíritu artesanal combinado con un gran presupuesto. Lo logra gracias a una puesta en escena soberbia, llena de brío, marcado por el ritmo de la amenazante “score” de Junkie XL; siempre en movimiento, casi todo rodado en escenarios reales y sin el predominio de los efectos digitales sobre lo que la cámara está filmando, pero inteligentemente integrados y reservado en las tomas que son imposibles para los especialistas.

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Tanto Charlize Theron como Tom Hardy cumplen con creces sus respectivos papeles y demuestran química entre ellos  -a pesar de los conflictos que mantuvieron durante el duro rodaje- . Hardy, parco en palabras y escueto en gestos, homenajeando al Max de Mel Gibson y Charlize Theron como Imperator Furiosa capaz de robar protagonismo a Max durante buena parte del metraje.

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Desde su estreno, ha surgido un debate sobre la temática y la supuesta militancia feminista de Mad Max: Fury Road, con las habituales polémicas estúpidas. Es cierto que la mujer tiene un peso clave en la historia y está reflejada como el contrapunto a unos hombres degradados, dementes, gobernando un mundo arrasado y que llevan la muerte consigo; en cambio, ellas son capaces de dar vida y han estado sometidas a Inmortan Joe y a sus esbirros, todos hombres, por eso toman la arriesgada decisión de huir en busca de un lugar mejor. No voy a profundizar en el tema de la polémica, porque es una crítica y no un artículo sobre un tema concreto de la película, solamente diré que, cuando la veáis, observaréis un discurso mucho más universal de lo que parece: no deja de ser la historia de un grupo de seres humanos huyendo del terror y la opresión hacia un lugar más libre donde reine la esperanza, en un mundo que carece de ella, todo ello sin traicionar el espíritu de Mad Max. Podría haber introducido esos aspectos con la intención de modernizar su universo de cara a la galería, pero no, cobra todo el sentido del mundo dentro del film. Incluso es interesante que un blockbuster multimillonario incite a este tipo de debates y se aproxime a la historia desde una óptica diferente.

Seguramente os preguntaréis, ¿y lo menos bueno? Pues aunque anteriormente no haya remarcado los errores o lo que me disgusta, no lo considero tan relevante porque la saga Mad Max nunca ha aspirado a ser una serie de películas perfectas y esta última entrega tampoco lo pretende. Continúa apostando por el montaje, deliberadamente, atropellado, tosco y que combina aceleración y ralentización de las imágenes, o ciertas soluciones visuales que no son las más adecuadas. De todos modos, no empañan una sobresaliente y espectacular cinta de acción que merece ser vista en la pantalla más grande posible.

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10
May
15

Animus criticandi: Qué difícil es ser un Dios (2013)

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La obra homónima de los hermanos Arkadi y Boris Strugasky -también autores de la novela Picnic al borde del camino, adaptada libremente por Andei Tarkosvky en Stalker (1979) . Le sirve  al fallecido Aleksei German, después de trece años de creación, para estrenar de manera póstuma una obra durísima sobre la tiranía y lo peor de la condición humana.

La película se ambienta en el planeta Arkanar, cuya sociedad está anclada en un periodo histórico similar a nuestra Edad Media. Un lugar donde reina la tiranía, la insalubridad, las injusticias; en definitiva, lo más abyecto. Allí está Don Rumata, uno de los científicos terrícolas que han sido enviados al planeta como observadores imparciales durante la evolución de la sociedad hacia su “particular” Renacimiento. Mientras, Rumata está considerado por muchos como el hijo de Dios, no todos creen en él pero le temen de igual manera.

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Construida mediante largos planos secuencia, Aleksei German, nos lleva a rastras al hediondo fango del planeta Arkanar. La imagen, en un fuerte y constrastado blanco y negro, está en constante movimiento gracias a una cámara libre -como si de un reportaje se tratase-  que circula entre los primerísimos planos de la maraña de los caóticos personajes que pueblan cada escena. Imágenes captadas con grandes angulares que acerca, casi físicamente, ese inframundo. El sonido, grabado previamente en estudio, juega un papel muy importante, conformando un collage de chapoteos, golpes metálicos, lluvia, fuego, sonidos orgánicos, etc.

German logra una película hipnótica durante sus casi tres horas, una experiencia que mejora en pantalla grande. No es necesario el 3D para impregnarte del ambiente, basta con el constante acompañamiento que realiza la cámara a Don Rumata, o los personajes que pululan por las escenas, lanzando constantes miradas cómplices a la cámara como si el director quisiese instar al espectador a reflexionar sobre el terrible espectáculo que está observando.

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Desde aquí, sólo puedo alabar la valiente y extrema puesta en escena, terriblemente cruda: grandes decorados de inspiración medieval, empapados de agua y deteriorados; cuidados hasta al más mínimo detalle. Además, cada secuencia está perfectamente coreografiada, a medida que la cámara se mueve, numerosos personajes entran y salen de plano, o simplemente mientras la escena avanza, el resto de extras o figurantes cruzan delante de la cámara. Una composción de secuencias que recuerda a las pinturas de Peter Brueghel “El Viejo” con la imaginería grotesca de El Bosco.

Esa puesta en escena tiene otra inspiración muy evidente, Andrei Tarkovsky. La presencia constante de los cuatro elementos (tierra, aire, agua y fuego) y la época en la que se ambienta, sumado al uso que hace del blanco y negro, nos retrotrae al siglo XV de la grandiosa Andrei Rublev (1966). Y es que la obra de Tarkovsky fue demasiado grande como para no influir a los cineastas rusos, tanto sus contemporáneos, el caso del fallecido German, como de los venideros.

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En 1964, año del lanzamiento de la novela. Los Strugasky realizaban una crítica al estalinismo -los dos autores, sobre todo Arkadi, vivieron de cerca ese periodo- La obra original ejecutaba un paralelismo entre la oscuridad de ambas épocas: la Edad Media y las persecuciones durante el estalinismo. Ahora, cincuenta años después, la película, que conserva la misma carga de crítica política, religiosa y social, sirve, creo yo, para examinar la situación de la Rusia actual bajo el mandato de Vladimir Putin. Una lástima que Aleksei German ya no pueda responder a esta y a otras cuestiones.

Qué difícil es ser un Dios no es para todo tipo de público, pero aquellos que decidan aproximarse verán una grandiosa representación de una supuesta Edad Media que nos permite aproximarnos a la barbarie sin salir malheridos.

17
Mar
15

Animus criticandi: Puro vicio (2014)

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Dicen que las novelas del ermitaño escritor norteamericano Thomas Pynchon son inadaptables a la gran pantalla, de hecho, Puro vicio (de ahora en adelante Inherent Vice, me gusta más), el séptimo largometraje de Paul Thomas Anderson, es el segundo filme que lleva al cine una obra de Pynchon y la primera es un docudrama alemán del 2002 basado en El Arcoiris de gravedad (1973), del que hay muy poca información. Con todos estos antecedentes parece que sólo un grandísimo director, fan de la literatura de Pynchon, podría atreverse con Inherent Vice (2009). Segunda aproximación de Paul Thomas Anderson a la comedia, la anterior fue Punch Drunk Love (2003), ganadora en Cannes a mejor guión. Y, también, su segunda adaptación de una novela tras Oil! (1927) de Upton Sinclair para Pozos de ambición (2007)

La película respeta la historia base de la novela: Los Angeles, 1970, en plena decadencia hippie, un detective “fumeta”, Larry “Doc” Sportello (Joaquin Phoenix), recibe la visita de su ex, Shasta Fay (Katherine Waterston), que le pedirá ayuda para encontrar a su amante desaparecido, un acaudalado constructor llamado Mickey Wolfman (Eric Roberts), que trata de reparar todo el mal que ha hecho. A partir de ahí, Sportello, se sumergerá en una trama propia del cine negro.

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Si hay algo por lo que destaca la novela es por su ambientación y el torrente de personajes que circulan por el libro. Thomas Anderson, en cambio, opta por condensar la acción, eliminar lugares y emplazar la historia exclusivamente en la urbe de Los Angeles. No me gusta esta decisión, echo en falta determinados personajes y situaciones que figuran en la obra original, enriqueciéndola, y que podrían haberlo hecho con la película. Ahora bien, comprendo la posición de Thomas Anderson, escapar de la narrativa laberíntica de Pynchon -durante la lectura es fácil perderse si no estás atento- y topar su camino para adaptar Inherent Vice.

Ese camino pasa por los diálogos, en cada escena siempre hay conversaciones entre dos o más personajes, una constante de su cine, la mayoría filmados con primeros planos muy similar al estilo que empleó en The Master (2012), un claro homenaje al cine negro americano de los años 40 y 50. El problema viene cuando esos diálogos no siempre logran captar mi atención. Ni siquiera el humor patético y absurdo, que bebe directemante de la novela, se libra de esa irregularidad mediante momentos ligeramente forzados.

Estamos en los 70, la ola hippie ha terminado pero los personajes continúan viviendo esa resaca, se resisten a renunciar al movimiento que aspiraba a cambiar la sociedad. Sportello, a medida que va avanzando en el caso, si es que se produce, se topará con la verdadera situación que atraviesa el país: movimientos antidemocráticos impulsados por el gobierno, el capitalismo salvaje y la construcción descontrolada, el oscuro negocio de las drogas,… La decadencia está reflejada en la película aunque de una manera menos directa que en la obra de Pynchon, repleta de profusas descripciones. Gracias a la fantástica fotografía en celuloide de Robert Elswit, suavizada por la iluminación del océano o planos a contraluz que le proporciona el tono de fotografía casi velada, permite, por otro lado, transmitir cierto aire alucinatorio.

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La música juega su papel, canciones krautrock, sin temas reconocibles de los setenta, salvo Wonderful World de Sam Cooke (es de 1960) y una partitura minimalista con toques jazz a cargo de Jonny Greenwood. Son elementos que, todos juntos, remarcan la muerte de una época que pudo ser y no fue, otrora llena de vida, psicodelia y sonidos.

Respecto a los personajes y dejando de lado que todo el reparto escogido es excelso, no podía ser de otra manera tratándose de una película de Thomas Anderson; es aquí donde está su aspecto más negativo, la corta presencia en pantalla de muchos  secundarios: Sloane, la mujer del constructor desaparecido, Sauncho, amigo y abogado de Sportello, Hope Harlingen,… No me facilita llegar a al mismo nivel de empatía que, por otra parte, sí que se logra con la novela.

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Realizando una valoración global, incluyendo toda la obra de Thomas Anderson, la considero una película interesante y menor en comparación con sus grandes creaciones como Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), Pozos de ambición o The Master.

Me da la sensación de que este tipo de cine lo realiza por una razón. Por ejemplo, después de lo enorme y maravillosa que es Magnolia llegó Punch Drunk Love, amada y odiada a partes iguales, pero sin duda una obra pequeña. Aquí estamos ante una situación similar, en 2012 finaliza The Master, abrumadora, compleja tanto de puesta en escena como de conceptualización, y ahora nos ofrece esta adaptación como desahogo o un pequeño cambio de aires momentáneo, espero que sea así, momentáneo.

01
Dic
14

Animus criticandi: Interstellar

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Interstellar, el noveno largometraje de Cristopher Nolan, representa un cambio en la carrera del director británico. Deja atrás la oscuridad y las temáticas centradas en las obsesiones de personajes atormentados para expandir la historia hacia lo más profundo del espacio.

Tras nueve películas y recaudaciones millonarias, no hay duda que Cristopher Nolan ya no es sólo un mero director comercial con su sello particular, sino que transciende hasta la categoría de creador cinematográfico de culto, que no pierde de vista la vertiente comercial de sus obras. Esa etiqueta conlleva que todas sus películas tengan las mismas legiones de detractores como de admiradores.

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Estoy seguro que Interstellar acentuará esta situación, hasta un punto nunca visto en la filmografía de Nolan, ¿los motivos? Es un trabajo muy ambicioso, más profundo de lo que aparenta, personal y sentimental, lleno de conceptos físicos e irregular en sus casi tres horas de metraje, sin embargo, por encima de todo, ofrece un viaje hacia lo más profundo del cosmos como muy pocas veces hemos visto y que compensa, en buena medida, cualquier consideración negativa que se pueda hacer.

Inspirada por el trabajo del físico teórico y divulgador Kip Thorne, el argumento de la pelicula nos sitúa en la Tierra incapaz de sostener a la raza humana convertida en una sociedad agraria, las cosechas son asoladas por las plagas y las constantes tormentas de arena; la ciencia y sus enesñanzas han dejado paso a la burocracia mientras los hombres se resignan o se desplazan en busca de un lugar mejor. Cooper (Matthew MacConaughey), un expiloto de pruebas de la NASA, padre de familia viudo, ingeniero convertido en granjero, cuida de su familia: su suegro, Donald; su hijo mayor Tom y Murphy, su hija de diez años, con la que mantiene la relación más cercana y se convertirá en el pilar de la historia.

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En esa primera mitad, la presentación del contexto, nos topamos con los momentos de mayor debilidad del filme. No se ofrece una visión global del problema en la Tierra, se halla excesivamente condensada en esa pequeña familia americana y los datos que nos permiten formar el entorno dan la sensación de estar calculados para ofrecer la información justa en unos diálogos, por momentos, forzados. Pero conviene recalcar las bondades que hay en este comienzo, y es que encontramos referencias directas a Encuentros en la tercera fase (1977) y a The Dust Bowl, una serie de tormentas de arena que asolaron el Medio Oeste americano en los años 30 provocando el éxodo masivo de granjeros, su presencia en el filme nos remite a Las uvas de la ira (1939).

Como largometraje de madurez, Nolan, incorpora la mayor carga emocional, y es la primera vez en la cual presta atención al sentimiento de la historia buscando la complicidad con el espectador, a través de la cercana relación entre padre e hijos (más con su hija pequeña) y cómo éste tratará de hacer lo que sea necesario para salvar sus vidas, incluso viajar hasta un agujero negro. Para muchos, me incluyo, podría ser otro aspecto irregular o débil, en cambio está resuelto de una manera muy sólida y, como dije, es la llave que articula todo el sentido de la historia. Bajo este punto se puede reflexionar sobre los grandes autores de ciencia-ficción, Isaac Asimov y Arthur C. Clarke, por focalizar en los más célebres, y cómo éstos carecían de esa vertiente humana en detrimento de una profusa descripción de las maravillas tecnológicas o los asombrosos lugares de la galaxia, descuidando así la evolución de los protagonistas como personas dentro de la historia. Nolan, creo yo, consciente de esas carencias intenta superar la tradición tan habitual en la ciencia-ficción introduciendo elementos emotivos no como un adorno sino como una base que da paso a la ciencia-ficción.

Antes de partir al espacio, como marca de la casa, las explicaciones sobre lo que ocurrirá se suceden con el objetivo de preparar y asentar el mecanismo de la historia restante. No entro a valorar si son correctas, excesivas o innecesarias, únicamente digo que en este caso son conceptos físicos complejos incluso para los estudiosos, además es cine comercial y a Nolan le importa el público. Como ya hizo en Inception, película que empleaba el espacio de los sueños como un lugar que le permitió configurar un thriller de acción, no sin antes establecer de manera muy clara las reglas de su película con abundantes explicaciones, más numerosas que en Interstellar.

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Interstellar muestra todo su carácter en el viaje espacial, la llegada y posterior entrada en el agujero negro supermasivo, el recorrido por los planetas que deben explorar para encontrar un lugar apto y poder comenzar de nuevo con la humanidad. Todo se convierte en una verdadera aventura espacial, adornado por las fantásticas referencias a 2001: una odisea del espacio.

Forman junto a un excelente y renacido Matthew MacConaughey, un reparto solvente, con Anne Hathaway que le acompañará en la expedición, Michael Caine el profesor impulsor del viaje espacial, Jessica Chastain, Cassey Affleck y Matt Damon. Estos últimos conviene que descubráis vosotros qué papel juegan.

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Las historias dentro de otras, son constantes, forma parte de su manera de entender el cine, mediante montajes paralelos y a medida que nos acercamos al desenlace aumentan su presencia y convierten la película en un carrusel de sensaciones.

No hay adjetivos para definir el poderío visual y la capacidad que tiene para poner en escena teorías físicas sobre relatividad temporal, agujeros negros, supergravedad, el hábitat de los planetas sometidos a la masa de un agujero negro, y más detalles que conviene no desvelar. Todo respeta en gran medida sus leyes físicas gracias al excelente trabajo realizado con Kip Thorne y los diferentes supervisores científicos.

Siguiendo con el aspecto visual, Nolan cree en el cine como espectáculo y sabe que sus películas se disfrutan al máximo en un sala de cine. No es casualidad que siga apostando por el celuloide en formato IMAX capaz de ofrecer la máxima calidad de imagen y conservar el “grano” de la exhibición cinematográfica más clásica. Sin olvidar el buen trabajo de Hans Zimmer para la banda sonora, con una partitura más minimalista y adaptada al ambiente espacial, aunque mantiene los fragmentos intensos habituales de sus colaboraciones con Nolan en los momentos de suspense.

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Me detengo aquí, no quiero destripar más ni condicionar el visionado, lo único que añado es que vayáis al cine, el mejor lugar para verla, allí intentad disfrutad de este viaje con un final redondo y donde la palabra interestelar cobra todo su significado.

 

 

 

 

 

 

04
Nov
13

Animus criticandi: Gravity (2013)

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Pocas veces se asiste a un espectáculo semejante, una proeza técnica al servicio de una historia que te absorbe e hipnotiza desde el primer minuto. Y todavía ocurre algo aún más extraño, que toda la crítica cinematográfica se rinda ante la obra de un creador en plena forma.

Recuerdo que mi primera película visionada en 3D fue, la ultrapromocionada e inflada, Avatar. Una experiencia que distó bastante de las expectativas ofrecidas por la crítica, los tráilers y el precio de la entrada, además la tecnología 3D todavía no lograba la inmersión necesaria en la historia, amén de varios errores técnicos: imagen demasiado oscura, fondos desenfocados,etc. Con esto quiero que conozcáis mi breve experiencia asistiendo al cine en 3D. Pero bueno, no quiero que una mediocridad como Avatar empañe la excelencia de Gravity.

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Durante un paseo espacial para reparar un satélite, dos astronautas: la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el experimentado astronauta Matt Kowalsky (George Clooney), son alcanzados por una lluvia de basura espacial quedando el trasbordador y el satélite destrozados, dejando a los dos astronautas solos en la inmensidad del espacio. Su objetivo será encontrar un medio para volver a la Tierra.

Gravity nos narra una historia de supervivencia en un medio hostil de manera directa sin más adornos ni efectismos. Un argumento sólido en todo momento. Ante la aparente sencillez Alfonso Cuarón sabe tratar al espectador como alguien inteligente, renunciando a obviedades o explicaciones superfluas que lastran el desarrollo de la película. En este punto algunos críticos pondrían una pega –porque ellos son asi de tiquisquimiquis– y es el drama familiar del personaje de Sandra Bullock, yo no comparto ese punto de vista, creo que es necesario para enriquecer la historia. Cuando veáis la película os daréis cuenta de lo que hablo y ya podréis hacer vuestras valoraciones.

Reconozco que tenía dudas muchas dudas con los actores, concretamente con Sandra Bullock, una actriz que no me gusta y seguirá sin gustarme pero en esta película y en manos de un excelente director logra una interpretación drámatica y física a la altura del filme. Por el otro lado, su partenaire en la pantalla, George Clooney, realiza un papel breve, solvente y relativamente desenfado, como un veterano acompañante psicológico y moral. Lo que he mencionado al comienzo de este párrafo viene a confirmar mi teoría, la cuál funciona así: un actor malo, digamos de registros y expresividad limitada, se junta con un director excelente, unido a una buen guión (o viceversa), éste automáticamente realizará una de sus mejores interpretaciones. Un día que me apetezca ampliaré esta conjetura con ejemplos concretos, pero mientras tanto pensad en ello.

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Me vienen a la mente muy pocas películas en las que la narración y el apartado visual rocen la perfección, como es esta caso. Por un lado está la capacidad de Cuarón para manejar el pulso de la película con maestría, no tiene dificultad alguna y alterna entre la acción, el suspese o el drama. Junto con su virtuoso manejo de la cámara que, como demostró de  manera espectacular en Hijos de los hombres (2007), pero en Gravity alcanza un nuevo nivel que te sumerge  junto a los personajes protagonistas en el espacio. Además todo ello lo hace sin renunciar a su sello personal, planos largos y sin cortes (algunos de ellos están modificados digitalmente para transmitir esa sensación), alternando la visión subjetiva del personaje sin que afecte a la fluidez de la película. Sinceramente creo que muy pocos directores en el mundo podrían alcanzar el nivel de destreza del realizador mejicano, creo que será la película por la a Cuarón. Sería justo, después de alabar la figura del director, hacer una mención a los encargados de los efectos visuales que ofrecen unas cotas de realismo donde resulta casi imposible adivinar qué es real y qué es lo generado por ordenador. Y, como no, los detalles en los efectos de sonido, al no poder introducir sonido directo del espacio (lógico), optan por añadir pequeños ruidos amortiguados que provienen de los trajes espaciales de los protagonistas, algo que te imbuye todavía más en la experiencia.

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Ya os hablé en un post anterior sobre directores de fotografía de mi admiración por Emmanuel Lubezki, fiel cinematógrafo y amigo, desde los comienzos del director. No tenía un trabajo fácil, iluminar para la filmación en 3D es muy diferente pero la labor que realiza sólo se puede catalogar como excelente. Él nos ofrece un espacio infinito, de tonos fríos donde el único punto de luz es el relflejo de la luz del Sol en la Tierra y cómo desaparece ésta en función de la rotación terrestre. Una labor brillante.

Siguiendo con la imagen, quiero focalizar este párrafo en el 3D empleado en la película. Nunca he sido un entusiasta de este nuevo método proyección, me encotraba entre los recelosos de su triunfo, causado por la pobre experiencia de Avatar (ya no doy más la brasa con esta película, tranquilos), los nuevos estrenos no despertaban esperanzas y mi escasa o nula experiencia visionando cine 3D. No tengo niguna duda que en este caso sí aumentan las posibilidades de la historia. Puede que en 2D continúe siendo una buena película porque mantiene intacta la brillante labor técnica, la narración y la mano del director. Pero el 3D eleva la película a una nueva dimensión (valga la redundancia), sin este visionado creo que no podrías disfrutar de igual manera de la sensación de ingravidez, la profundidad del espacio y la inmensidad de la Tierra.  El visionado en 3D logra que Gravity pase de ser una película a una experiencia muy pocas veces vista.

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Como todo en la vida, nada es perfecto y aquí también hay pegas o defectillos que no empañan los logros obtenidos durante la hora y media de proyección. Por ejemplo el uso de la música en pequeños momentos de tensión, remarcan excesivamente el instante perdiendo capacidad de sorpresa. Y los diálogos no están en consonancia con la brutal narración visual de Cuarón. En fin, detalles.

No sé que más decir de la que ya es para mí una de las mejores películas de los últimos cinco años. Hace ya unos días que la ví, pero acudiría al cine para volver disfrutar de esa experiencia tan fantástica. Si váis al cine y sólo podéis ver una película, escoged Gravity porque de verdad merece la pena.

16
Sep
13

Animus criticandi: El atlas de las nubes

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A mediados del 2012 vio la luz un extenso tráiler de más de cinco minutos de duración, algo fuera de lo común en este tipo de vídeos promocionales, que adaptaba la novela Cloud Atlas (2004) de David Mitchell. Sorprendido por ese avance que te conducía por diferentes historias en el pasado, presente y futuro, cuyos personajes principales estarían interpretados por los mismos actores. Además la realización y el guión corrían a cargo de tres realizadores: Tom Tywker, artífice de la interesante Corre, Lola, corre (1998) y los hermanos Wachowski, padres de la trilogía Matrix y guionistas de V de Vendetta. La última sorpresa vino de la mano de su amplio reparto lleno de rostros muy conocidos: Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant, Hugo Weaving, Ben Wishaw, Susan Sarandon, Jim Broadbent, Jim Sturgess, Bae Doona, Keith David y James D´Arcy.

No voy a desvelar detallles de la trama, voy a dar pequeños detalles críticos sobre la película, no me interesa destriparla parte por parte. Así que no hay spoilers, leed con tranquilidad

El argumento, al igual que en la novela, sigue los sucesos de seis historias desarrolladas entre el pasado (1849, 1936 y 1973), presente (2012) y futuro (2144 y 2321). Todas conectadas por pequeños detalles y contenidas detro de cada una.

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Después de todas estas expectativas o hype, que es como se dice ahora. La película ha sido un fracaso en la taquilla americana, su recaudación total asciende a 27 millones $  y la global son 130 millones $, cuando la cinta costó 100 millones de $, recuperando poca cantidad invertida.

Ahora, personalmente, antes de ver esta película no tenía puestas muchas esperanzas, pensaba que todo sería más sensiblero, con filosofía barata y un espectáculo vacuo; pero todo lo contrario el filme me ha sorprendido y ahora os explicaré el por qué.

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Tengo que destacar su ritmo, es verdaderamente entretenida, los tres realizadores y la labor de los montadores evitan que la película caiga en el caos descontrolado o la monotonía, deseando ver el desarrollo de la siguiente historia. Con todo esto hacen que la película funcione, casi, como un viaje y todos los magnificos escenarios contribuyen a ello.

Supongo que la novela tendrá más calado filosófico y místico que el que ofrece la película, pero los creadores han optado por buscar equilibrio entre ritmo y profundidad intelectual. Hay un acercamiento a esa temática metafísica pero sólo en determinados momentos, es superficial, sí, pero funciona de manera correcta por cómo están ejecutadas  las diferentes historias.

En el filme hay momentos verdaderamente inspirados: en la parte de 1936, la creación de una sinfonia llamada El Atlas de las Nubes, o el fragmento del 2114, en Neo Seoul, un tramo de ciencia ficción de calidad orquestado por los Wachowski.

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La idea de que los actores interpreten a diferentes personajes es muy interesante que casa de manera perfecta con las características de las historias. Pero en ocasiones el excesivo maquillaje mancha esa buena ideaHugo Weaving, Tom Hanks Jim Broadbent son los actores que más partido sacan a sus diferentes personajes.

Bien, todo esto es muy bonito y hace que parezca perfecto, pero tiene puntos negativos que conviene resaltar.

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Para empezar, el salto de una historia a otra puede desconcertar a los espectadores, esto es un aspecto discutible pero lo siguiente no; en fragmentos donde las historias están llegando a su clímax los cambios que se producen son bruscos  impidiendo un desarrollo fluido. En este punto es lógico pensar que los guionistas no hayan encontrado una manera mejor de realizar esos saltos entre fragmentos.

Relacionado con lo anterior, hay fragmentos que se muestran demasiado estructurados, parecen pequeños cortometrajes que se van interrumpiendo. Ésto afecta a que la aparación de determinados personajes secundarios, con relativa importancia, tengan poca presencia haciendo muy difícil que te creas sus acciones.

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Podríamos enmarcar esta película dentro de ese subgénero del drama urbano que en los años 90 encontró su paradigma, de la mano de Short Cuts (1993) de Robert Altman, seguido por Magnolia (1999) de Paul Thomas Anderson, Amores Perros  (2000) de Alejandro González Iñárritu o Crash (2004) de Paul Haggis. Todos estos filmes de historias cruzadas tienen lugar en un mismo plano espacial y temporal, la ciudad. Además de existir una mayor o menor carga crítica hacia los comportamientos humanos o el ambiente en el que se habita. El atlas de las nubes se podría acotar en ese subgénero pero con una diferencia clave, hay una mezcla de géneros muy destacable en esta cinta: histórica, ciencia ficción, comedia, romance e incluso comedia.

En definitiva, una buena película que presenta un planteamiento poco común, excelentes momentos y entretenimiento, es lo más atrevido que encontraréis en las carteleras de los cines, bueno ahora en la sección de DVDs.

Puntuación:7/10

06
Ago
12

Animus criticandi: The Dark Knight Rises

Sin duda alguna era la película más esperada de este año, por lo menos para mí. Tenía como objetivo cerrar la trilogía abierta allá por el 2005 con la notable Batman Begins, donde se mostraba una nueva mirada sobre el hombre murciélago, mucho más negra y adulta que sus predecesores. Tras este interesante comienzo llegamos al verano del 2008 con el estreno de su segunda parte, El Caballero Oscuro, la que es por méritos propios la mejor película de Batman hasta la fecha, un filme hipnótico desde el minuto uno hasta su final, acompañado por la magistral interpretación del desaparecido Heath Ledger.

Finalmente, cuatro años después, llegamos a Batman 3 o El Caballero Oscuro la Leyenda Renace, el cierre definitivo al Batman de Cristopher Nolan. La más cara y de más metraje de todas, también la más espectacular en sus escenas de acción pero muy irregular en cuanto a su desarrollo narrativo.

Hace ocho años que Batman desapareció en la oscuridad, dejando de ser un héroe para convertirse en fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte del fiscal del distrito Harvey Dent, el Caballero Oscuro decidió sacrificarlo todo por lo que consideraba, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona, que pretende llevar a cabo un misterioso plan. Sin embargo, mucho más peligrosa es la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes para la ciudad obligan a Bruce a regresar de su voluntario exilio. (FILMAFFINITY)

El reparto está encabezado por los habituales: Christian Bale, Gary Oldman, Michael Caine y Morgan Freeman. Además de las nuevas incorporaciones: Anne Hathaway, Tom Hardy, Marion Cottillard, Joseph Gordon-Levitt y Matthew Modine.

Creo que este numeroso reparto de personajes es lo que impide que la película se convierta en una cinta más notable. Christopher Nolan tiene que desarrollar las diferentes líneas narrativas de cada uno de los personajes y relacionarlas con la trama central, todo en dos horas y media. Provoca que muchos personajes tiendan a aparecer y desaparecer constantemente sin profundizar en ellos.

Por el otro lado están los diálogos que no son ni la mitad de acertados que en El Caballero Oscuro, en ocasiones demasiado dramáticos como por ejemplo los que mantiene Alfred con Bruce Wayne o  breves y fríos, Miranda (Marion Cotillard) y Wayne. Ni siquiera los monólogos de Bane alcanzan la fuerza necesaria como para infundir terror.

El personaje interpretado por Marion Cotillard, merece una reseña aparte. Su importancia es vital para el desarrollo de la película y sobre todo del final. Nolan decide no explotarlo y mostrar su verdadera naturaleza en el final, a través de un giro de guión demasiado efectista para mi gusto.

Ahora vamos con los aspectos positivos de la película, que aun tiene unos cuantos. Para empezar, las secuencias de acción, todas son espectaculares. Le sigue las dos peleas que mantienen Bane y Batman,  están brillantemente ejecutadas.

Por primera vez en la saga vemos a un Bruce Wayne agotado de ser el caballero oscuro de Gotham y Christian Bale lo hace notar de manera excepcional. Nada que reprochar a la magistral actuación que Tom Hardy realiza de Bane.

En conclusión, una película con muchos altibajos pero también con grandes momentos que coinciden con las escenas de acción.  Si tuviese que darle una nota numérica sería un seis sobre diez.