Archive for the 'Recomendación' Category

29
Nov
18

Recomendación cinéfila: Utu (1983)

Tras un largo tiempo de ausencia, estoy de vuelta y para este regreso lo hago con una nueva una recomendación cinéfila, una sección a la que me gusta regresar de vez en cuando porque me permite hablar sobre películas que pasan desapercibidas, olvidadas por el paso del tiempo, castigadas por la crítica o simplemente, ya a un nivel personal, porque me gustan y merecen más reconocimiento. Esta vez le toca el turno a Utu (1983) considerada, con el visto de bueno de Tarantino, la mejor película neozelandesa de su historia.

Nueva Zelanda, 1870 un grupo de soldados británicos masacran un poblado de pacíficos granjeros maoríes. El nativo Te Wheke es el guía de un batallón inglés que se cruza con el escenario de la matanza. Esta situación le hará reaccionar de forma violenta frente a los británicos e iniciar su propia venganza contra el coronel al mando de esas carnicerías. Así comienza Utu, directa y sin adornos.

Utu conserva algunos de los códigos más habituales del western: venganza, violencia salvaje e implacable, naturaleza inhóspita, conflictos con los nativos,… pero la ambigüedad de todos los personajes junto a algunos aspectos de la narración y del guión, hace que esa etiqueta se quede corta. Por ejemplo, Te Wheke apela a su espíritu de guerrero maorí para consumar la venganza con una determinación que afecta a todos los personajes de la historia ocasionando una espiral de violencia y locura a su paso.

Geoff Murphy, el director, sitúa el grueso de la acción en escenarios naturales como valles, colinas, prados, bosques, rocas, poblados… Fotografiada de una forma muy naturalista lo que añade crudeza y que recuerda, por momentos, a Aguirre: la cólera de Dios (1972) de Herzog. Además, Utu es un filme deudor de su época, no en vano fue estrenada en los 80, y de ahí la violencia que puebla la historia, excesos durante las escenas de acción o cambios bruscos en el tono de la historia. Al contrario de lo que se pueda pensar, ni mucho menos afecta al conjunto, sino que lo enriquece.

Si la venganza contra los imperialistas, los paisajes neozelandeses, una realización cinematográfica impecable y contundente no son motivos suficientes para que veáis Utu, entonces quedaos con vuestros tibios superhéroes porque yo ya no quiero saber nada de este mundo.

Anuncios
19
Mar
15

Recomendación cinéfila: Canciones del segundo piso

Hay grandes películas, buenas, malas y pésimas o lamentables, pero Canciones del segundo piso (2000) es otra historia. Algo diferente, tras el primer minuto uno se da cuenta de que está ante algo especial, una nueva manera de narrar cine.

El sueco Roy Andersson (1943) es el veterano director de esta obra singular y, además, reciente ganador del Festival de Venecia por Una paloma sentada en una rama preguntándose por la existencia (2014), que cierra su trilogía, comenzada por Canciones… y seguida por La comedia de la vida (2007), todas engloban su particula lenguaje fílmico.

La filmografía de Roy Andersson no se puede calificar de prolífica, a pesar de tener 71 años solamente cuenta con 5 largometrajes. Tras alcanzar reconocimiento mundial -bautizado como el nuevo Ingmar Bergman– con su ópera prima, Una historia sueca de amor (1970), pasarían 5 años hasta el estreno de su segundo largo, Giliap (1975), un rotundo fracaso de taquilla por lo que Andersson no volvería a dirigir una película -se convirtió en un prestigioso realizador de spots- hasta el 2000, año del filme que nos ocupa y que convirtió a Roy Andersson en uno de los cineastas más creativos del panorama actual.

Podría incluir una sinopsis pero Canciones… prescinde de toda narrativa cinematográfica tradicional, no hay protagonistas ni antagonistas, ni giros de guión o resolución de la trama. Tampoco existe la edición habitual de plano-contraplano, sino que la cámara se sitúa frente a la escena en un plano general estático, y hace que los personajes entren y salgan del cuadro. Cuadros con decorados construidos, la mayoría, desde cero, falseando la profundidad de campo gracias al “trampe l´oeil”, un recurso propio de Meliès y de los albores del cine. Cada escena, o mejor dicho, decorado, funciona al mismo nivel que si observásemos viñetas entretejidas unas con otras, lo que significa que el espectador no sabe hacia dónde será guiado a continuación.

songs03

Los diálogos son una mezcla de trivialidades sin sentido propias de la vida cotidiana con escuetas afirmaciones existencialistas. Gracias a estos se observan las preocupaciones filosóficas de Andersson y que son comunes al resto de sus trabajos fílmicos: el estado de la humanidad, la indeferencia, la capacidad del hombre para el conflicto, la crueldad y el genocidio o la fragilidad humana.

Y los actores, otro sello del director sueco, emplea casi de manera exclusiva a intérpretes amateurs. Se debe a la consideración que tiene de los actores profesionales, cree que están demasiado pulidos o son excesivamente conscientes de sus gestos y de las frases. Además, apenas hay diferencias entre personajes, todos visten de manera similar y llevan el rostro pintado de blanco, aspectos que se relacionan con los intereses de Andersson: señalar que sus personajes se encuentran al mismo nivel, unidos como humanidad. Hay que sumarle una meticulosa y perfecta puesta en escena, diálogos torpes e interpretaciones hiératicas logrando un efecto de extraña espontaneidad.

bscap0016af2

Con todos estos elementos juntos, Canciones…, también se convierte en una grandiosa comedia, por eso lo único que puedo hacer desde aquí es impulsaros a ver y disfrutar esta película.

 

Y para terminar os dejo con un cortometraje del propio Andersson, World of Glory (1991), -considerado como uno de los mejores de la historia- que podría dar lugar a un profundo análisis sobre el papel moral del cineasta. (Activad subtítulos).

26
Nov
13

Recomendación cinéfila: The act of killing (2012)

the_act_of_killing_22953

Esta prohibido matar; por lo tanto, todos los asesinos son castigados, a menos de que maten en grandes cantidades y al sonido de las trompetas.

Voltaire

Indonesia, 1965, la llegada al poder del general Suharto inicia el genocidio de un millón de comunistas, lo fuesen o no. Los crímenes fueron llevados a cabo por escuadrones de la muerte, como Pancasila Youth, creados e integrados por “afamados” gánsters y matones locales. El director de documentales Joshua Oppenheimer, decidió introducirse de lleno en esa parte de la historia olvidada del sureste asiático, para conocer a los propios verdugos. Oppenheimer les propone a estos personajes realizar una pieza audiovisual ficcionada, de la forma que  prefieran, en donde se muestre cómo llevaban a cabo las ejecuciones. Mientras, los espectadores, seguiremos el desarrollo de esas creaciones. Producida por, los también documentalistas, Werner Herzog y Errol Morris.

the-act-of-killing

Queda claro que ante este punto de partida no nos encontramos con un documental muy corriente; no se basa en imágenes de archivo, no muestra vídeos o documentos inéditos y no habla con las víctimas. El realizador da voz a los ejecutores que declaran con orgullo el valor que tuvieron esas “hazañas”.

5_TAOK_WATERFALL_framegrab

Hay que apuntar que ésta no era la idea inicial del director, incluso ya había comenzado a entrevistar a los supervivientes y testigos del genocidio, pero ante las amenazas y presiones recibidas por parte de los propios asesinos, decidió darle voz a los mismos centrándose especialmente en Anwar Congo, uno de los fundadores de Pancasila Youth y ahora un jubilado respetado. No es el único que vive cómodamente, el resto de ejecutores son recordados tanto por los políticos como por el pueblo. Aquí es donde la frase de Voltaire, que aparece al comienzo del documental y de mi post, cobra todo su significado.

ActofKilling-Strangle

Por qué recomendar The Act of Killing, fácil; porque ofrece una nueva manera de asomarse a unos hechos terribles. Esa mirada se produce dentro de un ambiente, casi, surreal, donde Oppenheimer intenta que las atrocidades sean vistas por sí mismas y los asesinos reflexionen sobre esos hechos. A los espectadores les corresponde valorar si logran redimirse.

Aviso que es un documental fuerte, no por mostrar una excesiva violencia sino por ese entorno extraño al que hice referencia previamente y, sobre todo, por las diferentes sensaciones que provocará durante el visionado. Documentales así son muy necesarios.

06
Abr
13

Directores de fotografía actuales que conviene conocer

El otro día estaba leyendo un suplemento de la gran revista de cine Cahiers du Cinema, dedicado a Christopher Doyle. En ese momento recordé que había publicado una entrada recomendando directores actuales poco conocidos.  

Como me considero un apasionado de la imagen cinematográfica llega el momento de ofreceros a los que yo considero los grandes  directores de fotografía. Además, como es algo tan puramente visual me permitiré el lujo de mostraros pequeños ejemplos de sus trabajos.

Cristopher Doyle

Christopher+Doyle+Tribeca+Film+Festival+2011+5UUAOX9nppol

Con una trayectoria vital apasionante, este australiano se afincó profesionalmente en Asia y fue en Hong-Kong, gracias a la colaboración con Wong Kar-Wai, donde obtuvo repercusión internacional. Filmes como In the mood for love, Ashes of time, 2046 o Chungking Express, son la prueba palpable de su excelente labor.

Su método de trabajo siempre es comparado al de un músico de jazz, trata de encontrar la película a través de los medios disponibles y los desafíos que se presentan en un rodaje.  Está cerca de los actores tratando de que sean ellos los que se muevan libremente por la escena, mientras él y el director logran captar las situaciones que se generan.

En cuanto a su estilo visual predomina el uso de encuadres inesperados filmados con cámara en mano, ralentíes, colores saturados, reflejos e imágenes difuminadas.  Con todos estos elementos logra componer una versión sui generis  del collage plástico.

Emmanuel Lubezki

emmanuel-lubezki_60135

Nominado cinco veces a los Oscars, comenzó de la mano de su compatriota y amigo Alfonso Cuarón, sus películas serán  las que le brindarán reconocimento internacional y su primera nominación a los premios de la Academia. Después vendrían sus trabajos más conocidos y colaboraciones con directores de renombre, Tim Burton o Ron Howard, entre otros. 

Bajo mi perspectiva soy un admirador de su labor en:  Hijos de los hombres, y la más reciente, El árbol de la vida.  Son  filmes que presentan una elevada complejidad. La primera tiene que lidiar con los numerosos planos secuencia que pueblan la acción, además debe transmitir la decandencia  social y ambiental de esa Inglaterra futurista. Lo logra con el empleo limitado de colores y  el predominio de tonos grisáceos, un trabajo impecable.  Para la cinta de Malick destaca por encima de todo el método de filmación. Se realizó sin reglas preestablecidas y con un equipo limitado.

No podría definir un estilo homogéneo en todos sus trabajos. Nos encontramos películas con una iluminación naturalista (El Nuevo Mundo), la luz como un elemento romántico e idílico (Un paseo por las nubes) o para transmitir una determindada época llena de oscuridad (Sleepy Hollow).

Roger Deakins

rogerdeakins

Desde 1991 ha sido el colaborador habitual de los hermanos Coen. Nominado diez veces a los Oscars pero sorprendentemente todavía no lo ha logrado. Es un profesional que selecciona cuidadosamente los trabajos que le ofrecen guiándose por el contenido del guión cinematográfico.

Nacido en Inglaterra en 1949, desde muy pequeño fue un apasionado de la pintura y la fotografía, hasta los años 90 no daría el salto al primer plano del panorama cinematográfico, con la película Barton Fink. Desde ese momento comenzaría la relación de éxito con los Coen y la suya en Hollywood.

Con un aspecto que mezcla un aire retro y moderno, sin saturaciones, sencillo y realista. Todo se basa en una iluminación suficiente  que sea capaz de resaltar la paleta de colores.

Para ilustrar su estilo tenemos el excelente trabajo de Skyfall, memorable la secuencia en Shanghai. También Fargo ofrece el logro de filmar con un paisaje rodeado de nieve y obtener esa mezcla de tonos fríos donde resaltan los colores primarios. Y para terminar, El asesinato de Jesse James por el cobarde de Robert Ford, un western estilizado y moderno, pocas veces hemos visto algo así en ese género. Tenéis la prueba en el vídeo.

Enlace, en inglés, a un artículo que recoge comentarios del propio Deakins sobre la filmación de las escenas más representativas de su filmografía.

Christian Berger

Berger_Christian

Con este último director de fotografía entramos de lleno en la cinematografía europea.  Sus trabajos más exitosos y alabados vienen de la mano de Michael Haneke. Profesor de fotografía cinematográfica en la Vienna Film Academy y creador de un sistema de iluminación denominado Cine Reflect Lighting  System (CRLS).

En el estilo de este veterano austríaco predomina la austeridad en los encuadres, una paleta de color limitada y la iluminación fría que llena todo el plano. Su sistema CRLS le facilita la obtención de esos encuadres que dan la impresión de estar filmados con luz natural. El sistema funciona a través del uso de reflectores y más cantidad de luminarias en los focos, lo que permite ahorrar espacio y energía.

¿Películas que muestran su estilo? La cinta blanca, es un logro el trabajo con el blanco y negro, pero previamente se filmó en color para lograr una alta calidad de imagen.  Destacable las escenas donde tenemos como única fuente de iluminación, las velas. La pianista, es donde mejor se observa el estilo austero de encuandres racionales y fríos, para transmitir un mundo rígido y deprimido.

18
Dic
12

Recomendación: Días de una cámara por Néstor Almendros

dc3adas-de-una-cc3a1mara

Este nuevo post abre un espacio dentro de las recomendaciones cinéfilas para sugerir lecturas relacionadas con el ámbito del celuloide. El caso de hoy es la experiencia vital y profesional de uno de los mejores cinematógrafos europeos, el fallecido Néstor Almendros.

El gran François Truffaut nos inicia de manera acertada en la lectura a través del párrafo final de su prólogo:

“Esperaba encontrarme con un libro instructivo, pero no sabía que además iba a emocionarme. Es que no se trata solamente de la descripción de un trabajo, sino también la historia de una vocación. Néstor Almendros es consciente de ejercer un arte al tiempo que practica un oficio. Fervientemente enamorado del cine, nos hace partícipar de su vocación y nos demuestra que se puede hablar de la luz con palabras”.

A través de un lenguaje claro y sencillo nos muestra cómo se desarrolló su vida profesional. Pero antes nos ofrece una sucinta biografía:  el despertar en Madrid de su pasión por el cine y la marcha a Cuba. Su salto a Francia, el lugar donde se encontró con la madurez de la Nouvelle Vague y colaboró muy de cerca con Éric Rohmer y Truffaut. Para después dar el salto a América, país donde  lograría  su único Oscar por Días de Cielo de Terrence Malick y obtendría 5 nominaciones más a mejor fotografía. Llegando a formar parte de la ASC (The American Society of Cinematographers).

Para narrar su trayectoria profesional deicide  ir película a película explicando cómo elaboró la iluminación de cada una de ellas. Aquí introduce términos propios de la fotografía cinematográfica, ésto no es  un problema porque el libro contiene un glosario de términos que aclarará las diferentes dudas.

En resumen, es uno de los mejores libros sobre cine que he leído, por la lectura amena que ofrece, la combinación de su trayectoria vital y profesional con las explicaciones de su trabajo en cada una de las películas en las que participó. Sin duda alguna se puede aprender mucho de este libro.

Datos del libro

  • Nº de páginas: 416 págs.
  • Encuadernación: Tapa blanda
  • Editoral: SEIX BARRAL
  • Lengua: ESPAÑOL
  • ISBN: 9788432246524

Bonus track: entrevista realizada en España en 1978

03
Sep
12

Directores actuales que conviene conocer (Actualizado)

Todos conocemos el trabajo de los realizadores consagrados como James Cameron, Ridley Scott, Steven Spielberg, etc. Pero como en todas las cosas de la vida hay siempre un grupo de directores, tanto americanos como extranjeros, que pasan desapercibidos a pesar de realizar grandes películas.

Nicholas Winding Refn

Recientemente recibió el premio a mejor director en el Festival de Cannes de 2011 por su trabajo en la brillante película Drive, que le sirvió para darse conocer al gran público con la que es hasta el momento su mejor filme.

Nicholas se muestra como un realizador capaz de combinar un estilo propio del cine negro, mezclado con una atmósfera de los años 80 como hizo con Drive; o bien filmar de una manera casi semidocumental con su interesante trilogía Pusher sobre los bajos fondos de Copenhague. 

Un cineasta que por lo que hemos visto hasta ahora tiene mucho que ofrecer. Espero con ganas su última película, Only God forgives.

Paul Thomas Anderson

Ya en la sección de Esperando estrenos os hablé de la admiración que siento por el trabajo de este hombre. Un director que con tan solo 25 años creó una obra tan original, grande y madura como Magnolia. Y tan solo 2 años antes deslumbró a la crítica con Boogie Nights.

Es un realizador al que se le compara con Scorsese, por sus conocimientos sobre cine tanto americano como europeo. Por supuesto también a nivel técnico es uno de los mejores, y lo bueno es que solo tiene 42 años por lo  que le queda carrera para rato.

Michael Haneke

El último ganador de la Palma de Oro por la película Amour (2012), es un director que destaca por escarbar en las miserias morales del ser humano.  Un hombre con una personalidad compleja además de ser un gran conocedor de la cultura europea. Combina su trabajo en el cine, con la dirección de obras de teatro y ópera.

Sus películas son difíciles, Haneke no da concesiones a los espectadores, quiere que se cuestionen lo que están viendo y que ellos mismos saquen conclusiones. En ocasiones las historias que muestra son tan reales que te hace sentir y padecer al igual que sus personajes protagonistas.  Pero destaca, por encima de todo, su trabajo con los actores y brillante sobriedad de la puesta de escena.

Michel Gondry

Aclamado por sus trabajos en el mundo de la publicidad y de los videoclips,  que destacan por su inventiva. Gondry  saltó al cine de la mano del genial guionista Charlie Kaufman, con la irregular Human Nature. Pero el éxito le llegaría bien pronto gracias a la excelente Olvídate de mí, que consiguió el Oscar a mejor guión original. Es hasta el momento su mejor película, gracias al trabajo de escritura de Kaufman. Gondry supo encontrar el tono visual de la película, un estilo moderno donde combina lo que él aprendió en el mundo de la publicidad. Para mí el trabajo de realización está al mismo nivel que su guión.

Su cine consigue combinar lo mejor de los spots y los videoclips: lo visual, la imaginación pura y dura y el ritmo; dejando de lado todos sus vicios. Además él añade su estilo artesanal y naif.  La película que mejor ejemplifica ésto es La ciencia del sueño, una verdadera delicia llena de creatividad.

Wong Kar-Wai

WongKar-Wai

Hace apenas unos meses se presentó su última película, The Grandmasters, en el festival de Berlín por ello es un buen momento para recordar las bondades de la obra de Kar-Wai.

Personalmente destacaría tres películas, las mejores bajo mi prisma y las que representan el estilo de este cineasta que son: Chungking Express, In the mood for love y Fallen Angels. Los tres filmes tienen en común una historia sobre relaciones personales, la angustia existencial en el mundo urbano y  la desesperación por el amor. Hasta aquí la temática no es novedosa, pero donde se hace grande este cineasta es en la creación de atmósferas ayudado por uno de los genios de la cinematografía moderna, Christopher Doyle. Imágenes donde se mezclan primerísimos planos con grandes contrastes cromáticos, escenas ralentizadas, panorámicas, texturas resaltadas y encuadres imposibles. Obviamente todo esto siempre va unido a la historia y al ambiente donde se desenvuelven sus personajes, no es algo vacuo o efectista.

Podría seguir añadiendo más directores por los que siento predilección, pero muchos de ellos tienen pocas películas, son más conocidos que los que figuran aquí, o bien han fallecido.

17
Ago
12

Recomendación cinéfila: 24 hour party people

Michael Winterbottom nos acerca a modo de falso documental la historia de la explosión musical que tuvo lugar en Manchester, desde finales de los 70 hasta principios de los 90, gracias a grupos como Joy Division, New Order o Happy Mondays, y cómo ésta pasó de ser una ciudad industrial olvidada a la meca del ocio nocturno con su discoteca Hacienda.

En 1976, Tony Wilson descubre que su verdadera vocación es la música. Funda un sello discográfico y se convierte en cazatalentos y promotor musical. Nace así la exitosa discográfica Factory Records de Manchester, de donde proceden grupos como Joy Division, New Order y Happy Mondays. Tony Wilson y sus amigos, tras asistir a un concierto de Sex Pistols, a finales de los años 70, elaboran un plan que cambia por completo el mundo de la música pop y convierte a Manchester en una ciudad famosa. Tras lanzar Factory Records, compran un local y ponen su propia discoteca (Hacienda), que se convierte en una de las más conocidas del mundo. (FILMAFFINITY)

Al estar realizada a modo de falso documental le permite al directo tomarse constantes licencias, el personaje de Tony Wilson se dirige en numerosas ocasiones a cámara para explicar los simbolismos que aparecen en el filme y su relación con la historia de 24 hour party people. Por ejemplo, nada más empezar cuando Tony trabajaba para Granada TV,  realiza un reportaje intentado volar en ala delta, después se dirige a la cámara para hablar del significado que tiene esa escena con lo que van a ver en la película.

Este formato le da la  posibilidad a Winterbottom de contar las cosas tal y como ocurrieron. Por ejemplo la muerte de Ian Curtis, el primer concierto de los Sex Pistols y cómo éste influyó decisivamente en todos los que presenciaron ese momento histórico, al que siempre aludirá Tony Wilson en la película.

Hay muchos más aspectos que podría destacar, pero no quiero avanzar más de la película.  Así que os la recomiendo encarecidamente, sobre todo por su banda sonora y porque es un documento histórico fascinante.