Archivo para 29 mayo 2015

29
May
15

Animus criticandi: Mad Max: Fury Road (2015)

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Uno siempre es escéptico cuando se anuncian nuevos reboots de sagas conocidas o de cintas icónicas con su pequeño espacio en la historia del cine. El anuncio de una nueva entrega de Mad Max, tras años de rumores, me despertaba dudas sobre el resultado final, ni siquiera saber que George Miller, el mismo director de las tres entregas anteriores, tomaba las riendas logaraba calmar mis dudas, sobre todo teniendo en mente el bajón de calidad que supuso Mad Max III: Más allá de la cúpula del trueno (1986) frente a las dos primeras. Estos prejuicios han mutado tras el visionado de Mad Max: Fury Road, la mejor entrega de la saga y un blockbuster ejemplar.

La base del argumento es bastante similar a Mad Max II: The Road Warrior (1981). Max Rockatansky (Tom Hardy) que continúa sobreviviendo en solitario, tras una serie de sucesos, se encuentra con un grupo de personajes, en este caso mujeres confinadas a la reproducción y recluidas en la ciudadela gobernada por el tirano Imortan Joe y encabezadas por Imperator Furiosa (Charlize Theron), intentarán escapar de la ciudadela hacia un lugar mejor. A pesar de la misantropía y el carácter solitario de Max las situaciones le obligarán a colaborar con esos personajes.

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Esta epopeya se desenvuelve en un ambiente puramente madmaxiano, permitidme la expresión, es decir, persecuciones a través de las tierras desiérticas y baldías, conduciendo vehículos gigantes con enormes motores V8 a toda velocidad, carrocerías modificadas de manera grotesca, explosiones, pesonajes desagradables y mentalmente inestables, accidentes, violencia… Todo los códigos de Mad Max pero elevados a la enésima potencia. Mad Max: Fury Road transmite la sensación de ser lo que siempre quiso realizar George Miller pero el presupuesto y los medios técnicos no se lo permitían. Estamos ante un universo expandido, no es una simple continuación, sino que ofrece una visión más amplia de lo mostrado en anteriores entregas, con un ambiente invadido por la locura y mucho más degradado.

El guión demuestra una solidez sorprendente para este tipo de género, no hay una profusión en los diálogos con la idea de desarrollar los personajes y que el progreso de la trama se produzca a medida que avanza la acción que tiene lugar en la pantalla, como la propia persecución. Está tan bien pensado que convierte la fuga que realizan Imperator Furiosa junto con Max, y sus dementes perseguidores encabezados por Inmortan Joe, en un escenario más de la película con el objetivo de emplazar la acción entre todos esos impresionantes vehículos.

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El veterano George Miller demuestra una pericia envidiable para filmar este tipo de películas, que son difíciles, dando una lección a las nuevas generaciones de cómo se debería filmar cine acción de espíritu artesanal combinado con un gran presupuesto. Lo logra gracias a una puesta en escena soberbia, llena de brío, marcado por el ritmo de la amenazante “score” de Junkie XL; siempre en movimiento, casi todo rodado en escenarios reales y sin el predominio de los efectos digitales sobre lo que la cámara está filmando, pero inteligentemente integrados y reservado en las tomas que son imposibles para los especialistas.

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Tanto Charlize Theron como Tom Hardy cumplen con creces sus respectivos papeles y demuestran química entre ellos  -a pesar de los conflictos que mantuvieron durante el duro rodaje- . Hardy, parco en palabras y escueto en gestos, homenajeando al Max de Mel Gibson y Charlize Theron como Imperator Furiosa capaz de robar protagonismo a Max durante buena parte del metraje.

FURY ROAD

Desde su estreno, ha surgido un debate sobre la temática y la supuesta militancia feminista de Mad Max: Fury Road, con las habituales polémicas estúpidas. Es cierto que la mujer tiene un peso clave en la historia y está reflejada como el contrapunto a unos hombres degradados, dementes, gobernando un mundo arrasado y que llevan la muerte consigo; en cambio, ellas son capaces de dar vida y han estado sometidas a Inmortan Joe y a sus esbirros, todos hombres, por eso toman la arriesgada decisión de huir en busca de un lugar mejor. No voy a profundizar en el tema de la polémica, porque es una crítica y no un artículo sobre un tema concreto de la película, solamente diré que, cuando la veáis, observaréis un discurso mucho más universal de lo que parece: no deja de ser la historia de un grupo de seres humanos huyendo del terror y la opresión hacia un lugar más libre donde reine la esperanza, en un mundo que carece de ella, todo ello sin traicionar el espíritu de Mad Max. Podría haber introducido esos aspectos con la intención de modernizar su universo de cara a la galería, pero no, cobra todo el sentido del mundo dentro del film. Incluso es interesante que un blockbuster multimillonario incite a este tipo de debates y se aproxime a la historia desde una óptica diferente.

Seguramente os preguntaréis, ¿y lo menos bueno? Pues aunque anteriormente no haya remarcado los errores o lo que me disgusta, no lo considero tan relevante porque la saga Mad Max nunca ha aspirado a ser una serie de películas perfectas y esta última entrega tampoco lo pretende. Continúa apostando por el montaje, deliberadamente, atropellado, tosco y que combina aceleración y ralentización de las imágenes, o ciertas soluciones visuales que no son las más adecuadas. De todos modos, no empañan una sobresaliente y espectacular cinta de acción que merece ser vista en la pantalla más grande posible.

24
May
15

El palmarés de la edición número 68 del Festival de Cannes

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Hace apenas una hora ha finalizado el Festival de Cannes 2015 y la Palma de Oro es para Deephan, el film francés de Jacques Audiard, decisión que ha generado controversia entre la crítica cinematográfica.

El galardón a mejor guión es para el mexicano Michel Franco por Chronic; mientras, la mejor dirección recae en el cineasta taiwanés Hou Hsiao-Hsien por The Assasin.

Los premios interpretativos han sido para Vincent Lindon por La loi du marché y Rooney Mara, Carol, compartido con Emmanuelle Bercot, Mon roi.

Son of Saul, del húngaro László Nemes ha obtenido el premio de la crítica internacional, FIPRESCI. El Premio del Jurado recae en el filme griego The Lobster, Giorgos Lanthimos.

Sección Oficial

Palma de Oro: Dheepan, de Jacques Audiard.

Gran premio del jurado: Son of Saul, de László Nemes.

Premio del jurado: The lobster, de Yorgos Lanthimos.

Mejor dirección: Hou Hsiao Hsien, por The assassin.

Mejor actor: Vincent Lindon por La loi du marche.

Mejor actriz: Ex aequo: Emmanuelle Bercot por Mon Roi y Rooney Mara por Carol.

Mejor guión: Chronic, de Michel Franco.

Un Certain Regard: Rams, de Grímur Hákonarson.

Cámara de Oro

Mejor ópera prima presentada en la 68ª edición del Festival de Cannes: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo.

Cortometrajes

Palma de Oro al mejor cortometraje: Waves’98, de Ely Dagher.

 

Fuente: Lashorasperdidas

 

20
May
15

La secuela de Blade Runner ya tiene director de fotografía, Roger Deakins

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A comienzos de este año se anunciaba el director para la temida secuela de Blade Runner (1982), el canadiense Denis Villeneuve convertido en uno de los realizadores más prestigiosos del momento.

El director de fotografía Roger Deakins,12 veces nominado al Oscar y un referente para la cinematografía contemporánea, se suma al reboot de Blade Runner alcanzado su tercera colaboración con Villeneuve (Prisioners (2013) y, la más reciente, Sicario (2015), en estos momentos compitiendo en el Festival de Cannes).

Además, se rumorea que Ryan Gosling está en negociaciones para incorporarse al reparto, que por el momento solo incluye a Harrison Ford en el personaje de Rick Deckard.

Con estos fichajes tan acertados parece que intentan calmar los ánimos del público, me incluyo entre ellos, que se posicionaba en contra de realizar una secuela de un título clave del cine de ciencia-ficción.

El comienzo de la filmación está previsto para el verano de 2016. El guión vendrá firmado por el co-autor original Hampton Fancher y Michael Green, sobre una idea del propio Fancher y Ridley Scott, situado décadas después de la conclusión del filme de 1982.

Fuente:

Variety (1)

Variety (2)

 

10
May
15

Animus criticandi: Qué difícil es ser un Dios (2013)

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La obra homónima de los hermanos Arkadi y Boris Strugasky -también autores de la novela Picnic al borde del camino, adaptada libremente por Andei Tarkosvky en Stalker (1979) . Le sirve  al fallecido Aleksei German, después de trece años de creación, para estrenar de manera póstuma una obra durísima sobre la tiranía y lo peor de la condición humana.

La película se ambienta en el planeta Arkanar, cuya sociedad está anclada en un periodo histórico similar a nuestra Edad Media. Un lugar donde reina la tiranía, la insalubridad, las injusticias; en definitiva, lo más abyecto. Allí está Don Rumata, uno de los científicos terrícolas que han sido enviados al planeta como observadores imparciales durante la evolución de la sociedad hacia su “particular” Renacimiento. Mientras, Rumata está considerado por muchos como el hijo de Dios, no todos creen en él pero le temen de igual manera.

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Construida mediante largos planos secuencia, Aleksei German, nos lleva a rastras al hediondo fango del planeta Arkanar. La imagen, en un fuerte y constrastado blanco y negro, está en constante movimiento gracias a una cámara libre -como si de un reportaje se tratase-  que circula entre los primerísimos planos de la maraña de los caóticos personajes que pueblan cada escena. Imágenes captadas con grandes angulares que acerca, casi físicamente, ese inframundo. El sonido, grabado previamente en estudio, juega un papel muy importante, conformando un collage de chapoteos, golpes metálicos, lluvia, fuego, sonidos orgánicos, etc.

German logra una película hipnótica durante sus casi tres horas, una experiencia que mejora en pantalla grande. No es necesario el 3D para impregnarte del ambiente, basta con el constante acompañamiento que realiza la cámara a Don Rumata, o los personajes que pululan por las escenas, lanzando constantes miradas cómplices a la cámara como si el director quisiese instar al espectador a reflexionar sobre el terrible espectáculo que está observando.

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Desde aquí, sólo puedo alabar la valiente y extrema puesta en escena, terriblemente cruda: grandes decorados de inspiración medieval, empapados de agua y deteriorados; cuidados hasta al más mínimo detalle. Además, cada secuencia está perfectamente coreografiada, a medida que la cámara se mueve, numerosos personajes entran y salen de plano, o simplemente mientras la escena avanza, el resto de extras o figurantes cruzan delante de la cámara. Una composción de secuencias que recuerda a las pinturas de Peter Brueghel “El Viejo” con la imaginería grotesca de El Bosco.

Esa puesta en escena tiene otra inspiración muy evidente, Andrei Tarkovsky. La presencia constante de los cuatro elementos (tierra, aire, agua y fuego) y la época en la que se ambienta, sumado al uso que hace del blanco y negro, nos retrotrae al siglo XV de la grandiosa Andrei Rublev (1966). Y es que la obra de Tarkovsky fue demasiado grande como para no influir a los cineastas rusos, tanto sus contemporáneos, el caso del fallecido German, como de los venideros.

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En 1964, año del lanzamiento de la novela. Los Strugasky realizaban una crítica al estalinismo -los dos autores, sobre todo Arkadi, vivieron de cerca ese periodo- La obra original ejecutaba un paralelismo entre la oscuridad de ambas épocas: la Edad Media y las persecuciones durante el estalinismo. Ahora, cincuenta años después, la película, que conserva la misma carga de crítica política, religiosa y social, sirve, creo yo, para examinar la situación de la Rusia actual bajo el mandato de Vladimir Putin. Una lástima que Aleksei German ya no pueda responder a esta y a otras cuestiones.

Qué difícil es ser un Dios no es para todo tipo de público, pero aquellos que decidan aproximarse verán una grandiosa representación de una supuesta Edad Media que nos permite aproximarnos a la barbarie sin salir malheridos.