Archivo para 5 diciembre 2014

05
Dic
14

Animus criticandi: Hedwig and the Angry Inch (2001)

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Dentro del cine independiente americano encontramos, no hay duda, historias mucho más sorprendentes, arriesgadas y estimulantes que en los circuitos habituales. Hedwig and the Angry Inch personifica esto a la perfección.

Adaptación a la gran pantalla del exitoso musical, de mismo nombre, que surge en los escenarios alternativos de Broadway (sí, también ahí hay círculos independientes). John Cameron Mitchell, autor del libreto y protagonista en las dos versiones, se pone detrás de las cámaras para dirigir de manera excelente este exótico musical.

El argumento se centra en Hedwig, un transexual con vocación de estrella del rock, nacido en Alemania Oriental bajo el nombre de Hansel. Abandonó el país al casarse con un marine americano, sin embargo la operación de cambio de sexo a la que se sometió, salió mal, provocándole una pulgada irritada (“angry inch”) que lo dejará en la indefinición sexual física. Ya en América, conocerá a otra persona, Tommy, un joven que será su amante y protegido, interpretado por Michael Pitt, que le robará sus canciones y la fama que él pretendía. Mientras, Hedwig, seguirá a Tommy con su propio grupo, The Angry Inch, tocando en locales y restaurantes casi vacíos.

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Hedwig es un personaje derrotado por el pasado y así lo recuerda en cada actuación inundando los locales con su glamour y divismo, como si de un David Bowie se tratase, bajo capas y capas de maquillaje y ataviado con una peluca a lo Farrah Fawcett. “El 13 de agosto de 1961 se levantó un muro en Berlín. El mundo estaba dividido por una guerra fría y el Muro de Berlín era el símbolo más odiado. Injuriado, grafiteado, escupido. Pensamos que el muro estaría ahí para siempre, pero ahora que ya no está, ya no sabemos quiénes somos”. Esta introducción, la primera canción de la película, no responde a la casualidad. Que Hedwig venga de un país marcado por la división física representa en lo que se ha convertido, alguien a medio camino del sexo: no es hombre, ni tampoco mujer; atado a sus recuerdos, esclavo de su pasado y difícil de derribar. Pronto nos daremos cuenta que no es más que un refugio de su verdad y cómo al avanzar la película descubrimos todos los significados ocultos. Seguramente, sin la brillantez de las canciones a ritmo de rock, podría resultar superficial, amén a las fantásticas letras llenas de mensaje que permiten a Hedwig liberarse y, a nosotros, conocer todo sobre él.

La obsesión por perseguir a su anterior amante, el cantante de éxito Tommy Gnosis, le llevará a perderlo todo poco a poco, el grupo, la relación con los integrantes y hasta el glamour, la peluca y las capas de maquillaje. Resurgirá, aunque ya no será el mismo.

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Estamos ante una ópera rock, o por lo menos a un homenaje a ese subgénero musical. Con muchos elementos comunes de otras célebres óperas rock como Tommy de The Who, o The Wall de Pink Floyd. En ellas, ambos protagonistas están marcados por su pasado, entretanto se enfrentan a esos recuerdos, que se nos muestran a modo de flashbacks o recreaciones animadas de carácter símbolico. Hedwig and The Angry Inch comparte algunos de estos aspectos.

En Tommy, el personaje principal carecía de la vista, el oído y el habla, como Hedwig  tiene una “herida” física que lo condiciona. Aunque quizás es The Wall la que tiene mayor relación con Hedwig, ya que el protagonista es un cantante de un grupo de rock, marcado por una serie de traumas asociados a la severa educación recibida durante la infancia, ante eso sólo encontrará salida en las drogas y la violencia. Difieren, es cierto, Hedwig no consume drogas y la educación no es lo que le causó traumas, sino las relaciones con sus seres amados, sin embargo los daños que causados por el pasado están muy presentes condicionando ambas personalidades.

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Respecto a la realización, no da la sensación, en ningún momento, que Cameron Mitchell sea un novato. Conduce la película con un ritmo firme y domina todos los recursos. Una realización pausada dentro de los recuerdos combinando encuadres e iluminaciones expresivas. Reserva la dirección y el montaje eléctrico para los conciertos que, a su vez,  rememoran a las realizaciones empleadas para las actuaciones en vivo.

En definitiva, es una propuesta novedosa y una excelente película musical. Lo único que se puede lamentar es que no tenga la proyección pública que se merece.

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01
Dic
14

Animus criticandi: La LEGO película

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“Everything is awesome” (Todo es fabuloso) es la pegadiza canción que los habitantes de Ladriburgo, incluido el protagonista Emmet, cantan mientras viven sus rutinarias vidas marcadas por las instrucciones para “triunfar” en ella siendo lo más normal y feliz posible, bajo la omnipresencia del carismático y déspota líder del Mundo, el Presidente Negocios. Así comienza una sorprendente película de animación bajo el universo LEGO.

Emmet, una figura LEGO normal que vive de manera normal e ingenua según lo que es normal en su mundo, hasta que es confundido como el Maestro Constructor que salvará al mundo. A partir de ahí entrará en una épica aventura junto a una pandilla de desconocidos que lo conducirán por lugares extraños para él.

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Lo que se puede presentar como una cinta de animación más, con el único objetivo de promocionar las figuritas LEGO y seguir la estela de la animación en 3D infantil y colorida, es algo más. Para empezar, encierra numerosos elementos del género de acción y aventuras: el destino y las profecías, malos muy malos, discursos alentadores, persecuciones,…Todas estas piezas comunes de ambos géneros se suceden, pero los dos directores, Phil Lord y Christopher Miller son capaces de revertir estas situaciones introduciendo más y más referencias populares. Por ejemplo, Batman es uno de los personajes principales, Gandalf, Shaquille O´Neal, Linterna Verde -muy divertida su corta presencia-, Superman, entre otros muchos héroes. Todos introducidos en ambientes inesperados, repletos de diálogos descarados y unidos por relaciones imaginativas en un mundo sin reglas. Lo que se contrapone de maravilla a la ciudad del comienzo, gobernada por normas autoritarias bajo el Presidente Negocios con su “matón” principal, un policía que es poli bueno y poli malo y viceversa con un simple giro de cabeza. Ésto ejemplifica cómo La LEGO película basa sus puntos fuertes en descontextualizar y deconstruir situaciones típicas de géneros cinematográficos.

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Cada ingrediente que se añade a la trama principal, como que la vida feliz de los habitantes de Ladriburgo es engañosa, personajes con contradicciones y al final tendremos otra interpretación de lo ofrecido en conjunto. Es decir, muy pocas cosas son lo que parecen.

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Visualmente demuestra mucho ingenio, capaz de combinar lo espectacular de las persecuciones y explosiones con detalles más minimalistas, que sirven de homenaje a las figuras y universo LEGO. El referente más cercano que podemos relacionar, en el ámbito visual, es Rompe Ralph! (2012) o Pánico en la granja (2009). Lo que nos demuestra el vínculo con estas películas es, por ejemplo, el uso de llamas y láseres de plástico para representar una explosión o un tiroteo, con lo que se descontextualiza hechos violentos o explícitos y mantiene la línea de la película, la descontextualización

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A pesar de contar con un mundo, digamos, prefabricado los realizadores son capaces de ingeniársela para, respetando la esencia LEGO, proporcionar otros significados como si de verdad estuviesen jugando con las figuras LEGO.

Aunque con el doblaje al castellano no se note, la versión original cuenta con voces de actores reconocibles, Morgan Freeman, Liam Neeson, Will Ferrell,… cada uno haciendo guiños a sus papeles más célebres de sus correspondientes carreras.

Mención aparte merece su final, (quizás alargado en exceso unos minutos y ya da por sentado su secuela) donde todas las piezas encajan, perdón por el chiste, pero es así. Queda claro que es una película homenaje, primero al universo LEGO y por extensión a todas las personas que disfrutaron o siguen disfrutando con las figuras LEGO, imaginando y construyendo. “Everything is awesome”.

01
Dic
14

Animus criticandi: Interstellar

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Interstellar, el noveno largometraje de Cristopher Nolan, representa un cambio en la carrera del director británico. Deja atrás la oscuridad y las temáticas centradas en las obsesiones de personajes atormentados para expandir la historia hacia lo más profundo del espacio.

Tras nueve películas y recaudaciones millonarias, no hay duda que Cristopher Nolan ya no es sólo un mero director comercial con su sello particular, sino que transciende hasta la categoría de creador cinematográfico de culto, que no pierde de vista la vertiente comercial de sus obras. Esa etiqueta conlleva que todas sus películas tengan las mismas legiones de detractores como de admiradores.

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Estoy seguro que Interstellar acentuará esta situación, hasta un punto nunca visto en la filmografía de Nolan, ¿los motivos? Es un trabajo muy ambicioso, más profundo de lo que aparenta, personal y sentimental, lleno de conceptos físicos e irregular en sus casi tres horas de metraje, sin embargo, por encima de todo, ofrece un viaje hacia lo más profundo del cosmos como muy pocas veces hemos visto y que compensa, en buena medida, cualquier consideración negativa que se pueda hacer.

Inspirada por el trabajo del físico teórico y divulgador Kip Thorne, el argumento de la pelicula nos sitúa en la Tierra incapaz de sostener a la raza humana convertida en una sociedad agraria, las cosechas son asoladas por las plagas y las constantes tormentas de arena; la ciencia y sus enesñanzas han dejado paso a la burocracia mientras los hombres se resignan o se desplazan en busca de un lugar mejor. Cooper (Matthew MacConaughey), un expiloto de pruebas de la NASA, padre de familia viudo, ingeniero convertido en granjero, cuida de su familia: su suegro, Donald; su hijo mayor Tom y Murphy, su hija de diez años, con la que mantiene la relación más cercana y se convertirá en el pilar de la historia.

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En esa primera mitad, la presentación del contexto, nos topamos con los momentos de mayor debilidad del filme. No se ofrece una visión global del problema en la Tierra, se halla excesivamente condensada en esa pequeña familia americana y los datos que nos permiten formar el entorno dan la sensación de estar calculados para ofrecer la información justa en unos diálogos, por momentos, forzados. Pero conviene recalcar las bondades que hay en este comienzo, y es que encontramos referencias directas a Encuentros en la tercera fase (1977) y a The Dust Bowl, una serie de tormentas de arena que asolaron el Medio Oeste americano en los años 30 provocando el éxodo masivo de granjeros, su presencia en el filme nos remite a Las uvas de la ira (1939).

Como largometraje de madurez, Nolan, incorpora la mayor carga emocional, y es la primera vez en la cual presta atención al sentimiento de la historia buscando la complicidad con el espectador, a través de la cercana relación entre padre e hijos (más con su hija pequeña) y cómo éste tratará de hacer lo que sea necesario para salvar sus vidas, incluso viajar hasta un agujero negro. Para muchos, me incluyo, podría ser otro aspecto irregular o débil, en cambio está resuelto de una manera muy sólida y, como dije, es la llave que articula todo el sentido de la historia. Bajo este punto se puede reflexionar sobre los grandes autores de ciencia-ficción, Isaac Asimov y Arthur C. Clarke, por focalizar en los más célebres, y cómo éstos carecían de esa vertiente humana en detrimento de una profusa descripción de las maravillas tecnológicas o los asombrosos lugares de la galaxia, descuidando así la evolución de los protagonistas como personas dentro de la historia. Nolan, creo yo, consciente de esas carencias intenta superar la tradición tan habitual en la ciencia-ficción introduciendo elementos emotivos no como un adorno sino como una base que da paso a la ciencia-ficción.

Antes de partir al espacio, como marca de la casa, las explicaciones sobre lo que ocurrirá se suceden con el objetivo de preparar y asentar el mecanismo de la historia restante. No entro a valorar si son correctas, excesivas o innecesarias, únicamente digo que en este caso son conceptos físicos complejos incluso para los estudiosos, además es cine comercial y a Nolan le importa el público. Como ya hizo en Inception, película que empleaba el espacio de los sueños como un lugar que le permitió configurar un thriller de acción, no sin antes establecer de manera muy clara las reglas de su película con abundantes explicaciones, más numerosas que en Interstellar.

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Interstellar muestra todo su carácter en el viaje espacial, la llegada y posterior entrada en el agujero negro supermasivo, el recorrido por los planetas que deben explorar para encontrar un lugar apto y poder comenzar de nuevo con la humanidad. Todo se convierte en una verdadera aventura espacial, adornado por las fantásticas referencias a 2001: una odisea del espacio.

Forman junto a un excelente y renacido Matthew MacConaughey, un reparto solvente, con Anne Hathaway que le acompañará en la expedición, Michael Caine el profesor impulsor del viaje espacial, Jessica Chastain, Cassey Affleck y Matt Damon. Estos últimos conviene que descubráis vosotros qué papel juegan.

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Las historias dentro de otras, son constantes, forma parte de su manera de entender el cine, mediante montajes paralelos y a medida que nos acercamos al desenlace aumentan su presencia y convierten la película en un carrusel de sensaciones.

No hay adjetivos para definir el poderío visual y la capacidad que tiene para poner en escena teorías físicas sobre relatividad temporal, agujeros negros, supergravedad, el hábitat de los planetas sometidos a la masa de un agujero negro, y más detalles que conviene no desvelar. Todo respeta en gran medida sus leyes físicas gracias al excelente trabajo realizado con Kip Thorne y los diferentes supervisores científicos.

Siguiendo con el aspecto visual, Nolan cree en el cine como espectáculo y sabe que sus películas se disfrutan al máximo en un sala de cine. No es casualidad que siga apostando por el celuloide en formato IMAX capaz de ofrecer la máxima calidad de imagen y conservar el “grano” de la exhibición cinematográfica más clásica. Sin olvidar el buen trabajo de Hans Zimmer para la banda sonora, con una partitura más minimalista y adaptada al ambiente espacial, aunque mantiene los fragmentos intensos habituales de sus colaboraciones con Nolan en los momentos de suspense.

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Me detengo aquí, no quiero destripar más ni condicionar el visionado, lo único que añado es que vayáis al cine, el mejor lugar para verla, allí intentad disfrutad de este viaje con un final redondo y donde la palabra interestelar cobra todo su significado.